汉哥你的幻肢怎么那么长

十为做人,一为做事。做人宜粗,做事宜细。【Intended Psych and Econ Major★想吃很多很多好吃的★四流钢琴手★喜欢评论多过推荐★勉强算个写手吧★如果可以的话真想和你们一起玩耍】

古水:

*sound of maestro*(大师原声)
*musica autentica*(本真之音) 之
亨德尔「D小调大协奏曲」
末乐章: 中庸的快板
(Concerto Grosso in D Minor, Op. 6, No. 10, HWV 328 - VI. Allegro moderato)

        大协奏曲源自意大利,基于巴洛克三重奏鸣曲,由一组规模较小的器乐主奏部同另一组数量较多的器乐协奏部分饰三声部中的两个高音部,在通奏低音伴奏下以对位形式轮流演奏主题,形成呼应。阿尔坎杰罗·科雷利(Arcangelo Corelli 1653.2.17-1714.1.8)的12部大协奏曲(Op. 6)为该体裁树立了范本,更在乐器组成及乐章结构上影响了其后的创作。
        格奥尔格·弗里德里希·亨德尔(Georg Friedrich Händel 1685.3.5-1759.4.14)的大协奏曲多用于其清唱剧的幕间演绎,相较于Op. 3编号下的六部(1734年),1739年末仅用32天便告完成的12部(Op. 6)无疑体现了其精深的创作造诣,沿袭科雷利传统之同时,充分融入了意大利歌剧咏叹调、法国式序曲、民间舞曲、赋格与对位、主题与变奏等诸多元素,形成个人新颖独特的音乐语汇。
        第十号由六个乐章组成,法国式序曲连缀五段舞曲风格的乐章,使之更接近于组曲。藉大小调及曲速之变化,呈现出各异的音乐意趣。末乐章,D大调二段体式,欢悦的加沃特舞曲质朴清新,八分音符与四分音符在弦乐高低音上的巧妙竞逐与对答,将巴洛克音韵之华丽美感淋漓俱现!

演奏: 蒙特利尔音乐家室内乐团***
        (I Musici de Montréal)
主奏大提琴: 尤里·图洛夫斯基***
        (Yuli Turovsky 1939.6.7-2013.1.15)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
西贝柳斯「忧伤圆舞曲」
(Valse Triste, Op. 44/1)

        入夜,忽明忽暗的炉火边,病弱的妇人气息奄奄,寒意裹着疲惫令床榻边陪伴的幼子睡意沉沉,不祥的氛围在木屋中弥散。远处隐约传来一段旋律,如夜的精灵般潜入屋内,暖意和光亮霎时传向四壁,妇人醒来,神情恍惚地随着节拍摇动身躯,她的眼前赫然呈现出一番热闹的舞会场景,兴奋的宾客们翩然起舞,却对她的存在视而不见,任凭其目光中流露出的善意邀请。她累了,倒向床边,人们随着音乐止歇而散去,尚未尽兴的妇人却用自己残存的气力召唤着舞会的继续,而此刻,音乐和舞步渐趋狂乱,令她陷入无比惊恐,伴着三记沉重而急促的叩门声,化身为妇人亡夫的死神猝然降临。一切喧嚣归于沉寂,幼子在寒颤中惊醒,炉火已灭,泪湿双颊。
        让·西贝柳斯(Jean Sibelius 1865.12.8-1957.9.20)为其内兄,作家阿尔维德·雅涅菲尔特(Arvid Järnefelt 1861.11.16-1932.12.27)1903年的剧作「死神」(Kuolema)谱写的六段配乐,以这首著名的管弦乐舞曲开始,其单独的曲名和现用编号则是分别源自作曲家在次年的改编版和逝世后的出版序号。整首乐曲忧伤与喜悦的情绪交迭互现,作曲家孕育自冰寒霜冻下的冷艳气质同晚期浪漫主义的悲观情调,巧妙融合并创造出神秘却不乏现实意义的音乐语汇,古典圆舞曲形式的轻快优雅被赋予了双重的人生象征意,有觥筹交错,高朋满座的幸福喜悦,亦有失志沦落,死生契阔的悲恸凝噎。
        浓重的管弦乐色彩加之标题音乐的叙事性,使这部作品常被后世归为单乐章音诗来演绎,优美的旋律虽带有沙龙味,却也极具反复聆听之趣!

演奏: 费城管弦乐团***
         (Philadelphia Orchestra)
指挥: 尤金·奥曼蒂***
         (Eugene Ormandy 1899.11.18-1985.3.12)

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*sound of maestro*(大师原声)
 之
维瓦尔第「D大调鲁特琴协奏曲」
次乐章: 广板
(Lute Concerto in D major, RV 93: II. Largo)
 
 

        源于阿拉伯的鲁特琴,是一种曲颈拨弦乐器,羊肠弦与梨形音腔共鸣,产生出的是细腻独特而富于变化的悦耳音色。从十世纪传入欧洲至文艺复兴早期,于形制和演奏方式上的诸多改良,使其从单一的和弦用途逐渐向伴奏及主奏声部发展,并成为巴洛克时期南欧地区重要的乐器家族,拥有不同弦数和音域的分支十余种,中国和日本的琵琶,以及现代的吉他都与之有一定的亲缘和传承关系。
        出生于威尼斯的安东尼奥·卢齐奥·维瓦尔第(Antonio Lucio Vivaldi 1678.3.4-1741.7.28)在25岁领受神职之前,便早以小提琴家的身份享誉水城。其后的近40载人生岁月里,这位“红发神父”更携演奏家、作曲家、音乐教师、宫廷乐师及剧院总监等多个头衔,创作了大量的宗教音乐、清唱剧、歌剧及室内乐,成为引领巴洛克音乐风潮之巨匠,其卷帙浩繁的协奏曲作品更是确立了巴洛克器乐协奏曲之标准结构。
        这部为鲁特琴和弦乐器组而作的协奏曲成稿于维瓦尔第晚年,恰值该种乐器最为流行的年代。虽然作曲家擅长的小提琴在其中仍扮演了举足轻重的角色,鲁特琴清新优美的穿插拨奏却也如一缕清风,预示了独奏乐器协奏曲之来临。次乐章,缀满琶音的柔缓乐句,隐隐描绘出退去潮水的圣马可广场,在经历了彻夜狂欢后,于沁透着淡淡海水咸味的晨雾中慢慢苏醒,四周渐灭的灯火伴着次第清晰的贡多拉,摇曳中,将一份飘渺的思绪荡向曙光初现的远方......
        当代对于该作品的演录,多以古典吉他替代古老的鲁特琴,虽寡了一份质朴本真的韵味,却也独添一番恬淡惬意之情调,教人忘却都市生活的紧张与喧嚣。 

独奏吉他: 埃德瓦多·费尔南德兹***
                 (Eduardo Fernández)
协奏: 英国室内乐团
***
          (English Chamber Orchestra)
指挥: 乔治·马尔科姆
***
          (George Malcolm 1917.2.28-1997.10.10)

Tips: 网络不给力的古典听友可以 点这里

Bonus: 鲁特琴与乐队演奏视频 (点击聆赏)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
马勒「第五交响曲」
第四乐章: 小柔板-极柔缓
(Symphony No. 5: IV. Adagietto. Sehr langsam)

        对于古斯塔夫·马勒(Gustav Mahler 1860.7.7-1911.5.18)的交响曲作品,实非偶尔听过其几个乐章甚至夜夜无数遍循环不同版本,便会教人习惯性地萌生爱意,亦非细读每一篇评论大家奇思妙想的高谈雄辩,即可造次地随意发表所谓的“乐评”,作为一名凡人,更于那些不善思索,视心灵鸡汤为精神养料者,终其一生,亦未必能在马勒以音符构筑的宏大诗篇中觅得生命长河中时时闪现的亘古真谛。
        “五交”,在此当循作曲家之本意,省去调性的标注,任音符打破传统的桎梏,更使思想挣脱理性的羁束。在1901年罹患内出血而与死神擦肩而过后,马勒对死亡有了更为直观的认识,早前出现在其交响曲中的那个虚幻缥缈且倍受其调侃乃至抗辩的死神形象,变得从未有过的触手可及与不可回避,恐怖外衣下令世人讳莫如深的颓废魅力却仍似精神鸦片一般令其恹恹沉溺,于是马勒在第一乐章近乎毫无抵制地屈从于死亡号角的召唤,在庄严迤逦的葬礼进行曲中目送着一个理想主义者的逝去,然癔症的性格再一次令其迷恋于死亡和其如恶之花般的魅力,在二乐章中不厌其烦地以长篇累牍继续死生探究的游戏。三乐章以诙谐的情绪展开了一段人世的欢舞,“不太快且有力”的速度提示下朝气蓬勃的连德勒舞曲节拍呈现的是病愈后的喜悦,更是作曲家于现实美好中寻得之片刻慰藉,却是在与主题相伴而生之冲突旋律中透露着丝丝挥之不去的焦灼和忧郁--或是来自心底对于死亡的真正恐惧,又或是对于几番歌舞升平下世俗幻境之讪讪嘲讽,醒世的号角再次响起,粗暴却不入绝望,将尘世的美梦撕裂。竖琴袅袅仙音交织下的弦乐小柔版是整部作品中的“另类”乐章,一切痛苦或躁动情绪瞬间被温存与浪漫情致覆盖,那是马勒对于自己生命中至爱--阿尔玛的爱语宣言,更是灵魂之于死生拷问风浪中的静谧港湾,此刻,纯洁之爱令马勒重回他向往的天堂,教他纠结而难以摆脱的矛盾对抗暂得平息。如同一、二乐章的乐旨延续,末乐章中对“爱情颂歌”之迢递共筑起这部交响长篇的第三部分,低音部深沉的挽歌终究无法掩去铜管乐声部辉煌的主题升华,好比爱与生命的延续终将胜却暂存的阴郁,节拍速度和音乐情绪的逆转,叙写生命长河中不得不直面且亲历的所有喜怒哀乐,教人沉沦,又激人奋进,而这一切都只在三乐章中多重织体的并存演进中,投射出诸多看似纷繁无序,实则奇巧有致如美钻切面的璀璨光辉,谁又能一叶障目而取其一二呢?
        作为马勒十部交响曲中转折之篇的“五交”,堪称其个人创作风格与思想境界嬗变的里程碑之作,作曲家将人生的不同对立面高度统一到一部完整的音乐中,进而把生命的真谛高度浓缩,爱与死亡,在之中成为两个反复出现,相互盘旋的永恒主题!这也是值得作曲家本人、演绎者乃至每一位听者用一生来思考的主题!

整部作品链接 (点击聆赏)

演奏: 新爱乐乐团***
         (New Philharmonia Orchestra)
指挥: 约翰·巴比罗利爵士***
         (Sir John Barbirolli 1899.12.2-1970.7.29)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
莫扎特「C大调回旋曲」
(Rondo in C for Violin and Orchestra, K. 373
)

        从演奏技巧和音乐内涵而言,沃尔夫冈·阿玛丢斯·莫扎特((Wolfgang Amadeus Mozart 1756.1.27-1791.12.5)的小提琴协奏曲(未包括已被证实系伪作的第6号和存疑的第7号)固然未臻其钢琴协奏曲之艺术高度,却是以细腻甜美的旋律,萦绕在无数听者脑海深处。
        相比创作于1775年前后的五部小协作品和两阕补篇(K. 261、K. 269),1781年春完成的这首K. 373,或是受托于萨尔茨堡宫廷乐队的小提琴首席--意大利人布鲁内蒂(Antonio Brunetti)。时值作曲家同Colloredo大主教决裂前夕,维也纳的清新空气已经让莫扎特强烈感受到了创作上的自由氛围,频繁出现于第三、四、五号协奏曲中的炫丽矫饰,此刻已被自然流露的内心情感所取代,惯用的法式风格更是通过独奏乐器和乐队间的速度对比及调性呼应,在主题与插部之交替反复中,散发出延续自巴洛克,却又充满精巧典雅韵味的洛可可情调,整曲后段的弦乐拨奏和木管低吟,轻而易举地令耳朵捕捉到一份优雅闲适,更让心灵驰骋于广阔的自由天地......
        比利时小提琴家Arthur Grumiaux弓弦下的莫扎特,无论在音色表现上,抑或是在音乐气质上,当是最为传神之演绎,其细腻完美的解读俨然将音乐神童的传世杰作升华为凡间妙音,教人百听不厌! 

独奏小提琴: 阿瑟·格鲁米欧***
                   (Arthur Grumiaux 1921.3.21-1986.10.16)
协奏: 新爱乐乐团***
         (New Philharmonia Orchestra)
指挥: 雷蒙德·莱帕德***
         (Raymond Leppard 1927.8.11- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声)
*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
维瓦尔第 经文歌「圣殿中的努拉」
(又译: 人间需要真正的和平)
第一段: 咏叹调
(Nulla in mundo pax sincera, RV 630: I. Aria) 

        经文歌(motet)在其出现之初的中世纪,多为无伴奏且旋律简单的素歌形式,拉丁文的「圣经」是其无可取代的唱词。文艺复兴和宗教改革分别为经文歌在旋律结构和语言选择上开辟了新的道路--复调音乐的大量运用以及拉丁语之外如法语、德语等语种的唱词编写,在丰富音乐表现力之同时,更逐渐揭下其神秘的宗教面纱,使其登上前所未有的辉煌顶峰。进入巴洛克时期,独唱声部与器乐伴奏的引入,则使得这种古老的声乐表现形式呈现出风格上的多样性和艺术上的成熟性,更推动了康塔塔及弥撒等诸多圣咏形式的发展。
        相比较巴赫六部motet作品的阴沉严肃,同时期的安东尼奥·维瓦尔第(Antonio Vivaldi 1678.3.4-1741.7.28)在这一体裁上的创作倒是令人为之一悦。几乎于其花甲之年才完成的这部独唱经文歌「圣殿中的努拉」,当是“红发神父”众多宗教作品中最为著名和优美的一首了。意大利歌剧中典型的抒情唱法被作曲家娴熟嫁接到整首作品三个段落中,恍若不食人间烟火的天籁女声在袅袅弦音的映衬下,唱出了超越一切教义的世俗真理,深情赞美救世主无私奉献之余,亦虔诚地渴盼希望之曙光涤尽人间的罪恶与沧桑......

第一段咏叹调拉丁文唱词及中文大意:
Nulla in mundo pax sincera
sine felle; pura et vera,
dulcis Jesu, est in te.
世界充满欲望苦痛
人间需要真正和平
主之仁爱常伴于胸
Inter poenas et tormenta
vivit anima contenta
casti amoris sola spe.
肉体惩戒磨难之中
灵魂升华摆脱平庸
纯洁之爱唯一所从

演唱: 艾玛·柯克比***
         (Emma Kirkby 1949.2.26- )
演奏: 古乐学院乐团***
         (Academy of Ancient Music)
指挥: 克里斯托弗·霍格伍德***
         (Christopher Hogwood 1941.9.10-2014.9.24) 

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
奥芬巴赫/罗森塔尔 芭蕾舞剧「快乐的巴黎人」序曲
(Gaite Parisienne- Overture)

        巴黎是出生在德国的犹太裔作曲家雅克·奥芬巴赫(Jacques Offenbach 1819.6.20-1880.10.5)音乐事业的起点和终点,亦是孕育他丰沛创作灵感的土壤。一生创作的近百部轻歌剧以通俗幽默、雅俗共赏的形式确立了其“法国轻歌剧奠基人”之地位。
        「巴黎人的生活」(La vie parisienne)是完成并上演于1866年的四幕喜歌剧(初为五幕),整剧以轻松而略带讽刺的情节配以奥芬巴赫擅长的优美旋律,真实描绘了一幅巴黎上流社会的众生相。其间穿插的大量舞曲音乐皆来自于民间,虽然带有媚俗和娱乐性元素,却博得了当时不同阶层的广泛青睐,使其成为作曲家最受欢迎的歌剧之一。法国作曲家/指挥家马努艾尔·罗森塔尔(Manuel Rosenthal 1904.6.18-2003.6.5)在1938年以该剧情节为蓝本,结合奥芬巴赫多部歌剧中的音乐素材,重新编排的独幕芭蕾舞剧「快乐的巴黎人」,以情调各异,风格多变的24段乐曲让人领略到浪漫之都的风情万种--有波尔卡的活泼轻盈、华尔兹的优雅曼妙、进行曲的凝重庄严、更有康康舞的热烈奔放以及船歌的韵律悠扬,丰富的现代管弦乐配器更将创作者惊人的才思跃然于不息涌动的音符激流之上,教听者身心不由随着节拍起舞,倍感舒畅!
        推荐的这版复刻唱片源自83年André Previn携PSO在Philips的录音,同时收录奥芬巴赫「巴黎人的生活」、「佩里绍莱」、「美丽的海伦」以及「地狱中的奥菲欧」等歌剧的序曲,也是除受热捧的Fiedler/Boston Pops之54年RCA名版外,该曲目上佳之选! 

演奏: 匹兹堡交响乐团**
         (Pittsburgh Symphony Orchestra)
指挥: 安德烈·普列文*** 
         (André Previn 1929.4.6- 

Bonus: 专辑链接(点击聆听)

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*sound of maestro*(大师原声
) 之
德沃夏克「F小调浪漫曲」
(Romance in F minor, Op. 11/B. 39)

        这部为小提琴与乐队所作的浪漫曲(B. 39),是安东尼·德沃夏克(Antonín Dvořák 1841.9.8-1904.5.1)根据自己在1873年创作的「第五弦乐四重奏」(Op. 9/B. 37)第二乐章之主题改编而来,Burghauser的作品编号B. 38则是指本作品的钢琴与小提琴原始版。
        尽管对于崇尚竞奏与对话的弦四而言,这段如泣如诉宛若内心独白之乐思似乎有些过于煽情,故而有些教四个声部难以和谐平衡于同一旋律线上,然固执而自信的作曲家却依旧不舍不弃,将之移植到奏鸣曲形式后,那份温婉含蓄之情竟已然叩动心扉,协奏曲的演绎更是如神来之笔般地将作曲家天性中波西米亚式的忧郁和多情细致描绘。相较于室内乐原作中近乎小快板的速度,行板的走句之上是每一个音符的缓慢流淌,更是每一寸思绪的轻舞飞扬,时而笼罩几分忧伤,时而暗镶一缕阳光,却都在贯穿始终的平静气氛之上诉说着一份本初的情怀--“凡心所向,素履所往,生如逆旅,一苇以航。稣合于言,安之若素。自言自语,无喜无悲。”
        推荐的该曲之小提琴与乐队版,出自上世纪日本小提琴神童米島莉与梅塔执棒下的NYPO在1989年的合作演绎,花季少女的纯真与柔美将捷克民族细腻优雅之情调纤毫尽现,使人不禁醉于音乐之醇酿。
        题外,年幼五嶋 绿17岁的五嶋 龍似乎得益于姐姐和家庭的音乐熏陶,正以其出众的演奏技艺,成为近年国际乐坛新生代的小提琴演奏家,有兴趣的听友可以关注一下他的唱片。

小提琴独奏: 五嶋 绿(米島莉)***
                    (五嶋 みどり 1971.10.25- )
协奏: 纽约爱乐乐团
***
          (New York Philharmonic)
指挥: 祖宾·梅塔
***
          (Zubin Mehta 1936.4.29- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
*clavier sentiment*(黑白柔情) 之
肖邦「摇篮曲」
(Berceuse in D-flat Major, Op. 57)

        弗雷德里克·肖邦(Frédéric Chopin 1810.3.1-1849.10.17)唯一的一首「摇篮曲」,约完成于其33岁那年,起初仅作为一段主题加变奏的行板小品,因其6/8拍的节奏与音乐表情,恰与传统的“摇篮曲”完美吻合而得名,并成为该种曲式的经典名作。
        全曲以一段简单的旋律开始,轻柔而富有韵律,如同载着婴儿的摇篮被慈母缓慢晃动,更似一叶兰舟摇曳于傍晚的湖面。绚丽多变的装饰音将其后的多段变奏营造出极其丰富的音效,亦真亦幻之中将人带入了充满色彩的梦乡,清澈纯净的固定音型与绵绵不绝的琶音交织成一曲耳边的温柔吟唱,却始终节制地保持着一份静穆与安详,亦如晚星和皓月映在水中泛出的粼粼波光,当琴声于飘渺中渐弱时,那份亲切的抚慰早已将你我的思绪带至心灵的港湾--母亲的温柔怀抱......

演奏: 彼得·唐纳修***
          (Peter Donohoe 1953.6.18- )

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*sound of maestro*(大师原声) 
福雷「梦后」
(Après un rêve)

妳的倩影 诱我徘徊梦境,
梦中欢愉 化成爱之幻影。
眼波流转 声音迴耳纯净,
顾盼生辉 容光点亮黎明。

妳的呼唤 引我离开尘世,
执子之手 飞向光明之地。
冲破黑夜 瞬间蔽云见日,
圣光普照 美景壮阔绮丽。

痛苦呻吟 悲伤把我惊醒,
呼唤黑夜 将我带回梦境。
让我留在 夜之光华幻境,
让我重回 夜之神秘幻境。

        1878年,当玛丽安妮突然解除了与自己的婚约后,伤心欲绝的加布里埃尔·福雷(Gabriel Fauré 1845.5.12-1924.11.4)久久不能从痛苦失意中自拔。恰巧,与作曲家同为国民音乐协会成员的诗人兼声乐教育家布西纳(Romain Bussine),将自己翻译的几篇意大利语诗稿交给福雷,并建议他依此谱成法语艺术歌曲(mélodie)。某个孤寂的夜晚,孤枕难眠的福雷在读到这篇「梦后」,不禁被诗中描绘的情形深深触动,联想到自己恍若一梦的那段情感,曾经的幸福甜蜜,如今已然不再,现实的苍凉不由教人流连于虚幻梦境,惟愿长醉不复醒。于是,作曲家将愁绪付诸笔端,完成了这首凄美而带有梦幻色彩的短歌。
        「梦后」虽是福雷的早期作品,却以其夜曲般的音乐情绪,成为其代表作,并预示其“梦幻”风格的开端。该曲同另两首同时期完成的mélodie(“圣歌”、“船歌”),被汇编成一部套曲,以作品第七号传世。推荐的是大提琴与钢琴之duet演绎,宁静的伴奏钢琴声中,低音弦乐的轻揉,仿佛失恋者的独自啜泣,凄凉而悲绝。

大提琴: 亚诺什·斯塔克***
             (János Starker 1924.7.5-2013.4.28)
钢琴: 练木繁夫
***
          (Shigeo Neriki)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
柴可夫斯基「波兰舞曲」
(Eugene Onegin, Op. 24 - Act. III: Polonaise)

        叶甫根尼·奥涅金(又译:尤金·奥涅金)是俄国诗人普希金(Alexander Pushkin 1799.6.6-1837.2.10)笔下的一位纨绔子弟,年轻时的他,冷漠地拒绝了乡村姑娘塔蒂亚娜的纯洁爱情,更在决斗中射杀了好友-诗人连斯基,自我放逐以期寻求内心解脱的他,在多年后偶遇已是上流社会名媛的塔蒂亚娜,不禁感慨万分,随即向其表达爱意,却被严词拒绝,昔日高傲的浪荡子流下了悔恨的泪水......
        彼得·伊里奇·柴可夫斯基(Pyotr Ilyich Tchaikovsky 1840.5.7-1893.11.6)于1878年以普希金这部诗歌体小说完成的三幕同名歌剧,撷取了原作中围绕主人公的几个高潮段落,辅以旋律独特的俄罗斯民族音乐,弱化了一般歌剧中强调的叙事性,从而体现出与文学作品相一致的抒情性,同年3月在莫斯科的首演由作曲家的挚友尼古拉·鲁宾斯坦(Nikolai Rubinstein)指挥,获得极大成功。
        除了多处细腻表现人物内心的优美唱段外,该剧最令人印象深刻的则是多次出现的舞蹈场景音乐,这首第三幕开场的波兰舞曲(波罗乃兹)以雄壮嘹亮的铜管乐揭开格列明亲王宫廷舞会的序幕,也为气氛渲染和男女主人公的再次相遇作了铺垫。该曲与第二幕的华尔兹作为老柴最著名的管弦乐舞曲作品,常被独立于歌剧之外奏响于音乐会舞台。

演奏: 柏林爱乐乐团***
          (Berliner Philharmoniker)
指挥: 小泽征尔***
          (Seiji Ozawa 1935.9.1- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
*
clavier sentiment*(黑白柔情) 之
德彪西「贝加莫组曲」之“月光”
(Suite bergamasque, L. 75. III. CLair de Lune)

你的心灵是神赐的风景,
假面舞的绚丽教人忘情,
舞步穿梭于悠扬的琴声,
却终究,难掩面具下的凄清。

音符的絮语编织成歌曲,
唱颂爱之凯旋生之赠与,
如梦似幻故而教人犹豫,
缥缈中,和着月色不绝如缕。

月光迷离中氤氲着忧伤,
把枝头的鸟儿拂入梦乡,
教喷泉掠过雕像的冰凉,
呜咽着,向那夜空纵情歌唱。
 
                「月光」- 保罗·魏尔伦(Paul Verlaine) 

演奏: 佐尔坦·科奇什***
          (Zoltán Kocsis)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
*
clavier sentiment*(黑白柔情) 之
贝多芬「F大调第6钢琴奏鸣曲」之
末乐章: 急板
(Piano Sonata No. 6 in F major, Op. 10, No. 2: III. Presto)

        “钢奏第六号”,路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven 1770.12.17-1827.3.26)早期作品中充满青春活力之篇,没有艰深的内涵与炫目的技巧,而更多以细腻触键与温暖乐句编织的轻松情绪。
        作为向早年音乐赞助人安娜·玛格丽特·冯·布朗伯爵夫人的三部题献作之第二号,调性上更让人联想起乐圣写于28岁那年的「F大调浪漫曲」(Op. 50),对生活的感恩与美好的憧憬,如阳光般洒满整部作品,c小调的紧张与窒息似乎还未随着命运之神的敲门而纠缠一颗年轻的心。于是,首乐章中宁静诗意的情绪发展成明亮的歌唱旋律,一份回归自然的喜悦悄悄蔓延;小快板速度的次乐章,俨然打破常规的慢乐章模式,将内心的一份梦幻般的悸动隐藏于柔美的和声之中,冥想中又略带诙谐意味;末乐章中,贝多芬在曲式和节拍上,似乎回到了古典奏鸣曲的传统中,D·斯卡拉蒂的对位手法与J·海顿的幽默情趣被作曲家完美揉合成一阕结构简单却又蕴含赋格变奏的贝氏乐章,可谓完美的模仿与独特的自创,更有贝氏晚期作品所渐渐淡化的亲切与雅致。
        推荐来自纽约的钢琴家Richard Goode的演奏版本,也是当代贝钢奏诠释者中颇受评论界褒赞的一位,曾师从霍尔绍夫斯基,自带有几分乐圣之遗风!  

演奏: 理查德·古德***
          (Richard Goode 1943.6.1- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
德利布 芭蕾舞剧「希尔薇娅」
第一幕场景音乐: 女猎神的号角
(Sylvia - Acte I: Les Chasseresses)

        「希尔薇娅」是“芭蕾音乐之父”- 莱奥·德利布(Léo Delibes 1836.2.21-1891.1.16)继「葛蓓莉娅」成功之后又一部三幕芭蕾舞剧,剧情取自文艺复兴时期意大利诗人塔索(Torquato Tasso)的诗歌「阿明塔」,由当时的芭蕾舞者梅朗特(Louis Mérante)编舞。
        整剧讲述了牧羊人阿明塔(Aminta)无意中爱上了狩猎之神戴安娜(Diana)的侍女希尔薇娅(Sylvia),爱神(Eros)从中撮合,却为邪恶猎人奥利昂(Orion)所破坏,当发现自己也倾心于牧羊人时,希尔薇娅求助于戴安娜,并最终得到神明的祝福,有情人终成眷属。作为瓦格纳音乐推崇者的德利布,将前者倡导之主导动机用于芭蕾音乐的创作,并以加强的管乐声部突出了舞剧配乐的交响属性(如推荐的这段出自第一幕女主人公出场之管弦乐),从而使音乐更好地铺垫剧情之发展,加之梅朗特新颖而前卫的舞蹈编排,在当时舞台演出过多依赖于花哨的服装、豪华的置景与大牌明星之媚俗倾向中,可谓独树一帜。当时刚完成了「天鹅湖」音乐创作的柴可夫斯基,亦对该剧音乐之丰富旋律及巧妙创新赞不绝口。
        该剧在1876年首演时,法国浪漫主义芭蕾几已走向没落,糟糕的剧本与过气的神话题材差点将其从人们的视线中掩去。瑕不掩瑜,20世纪50年代,经由皇家芭蕾舞团的阿什顿爵士(Sir Frederick Ashton)重新编排,芭蕾女皇玛戈·芳婷(Margot Fonteyn)演绎后,德利布的这部佳作得以复兴,并成为法国芭蕾舞剧之代表作。

演奏: 巴黎国家歌剧院管弦乐团***
           (Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris)
指挥: 让-巴蒂斯特·马里
***
           (Jean-Baptiste Mari)

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*sound of maestro*(大师原声) 
福雷「梦后」
(Après un rêve)

妳的倩影 诱我徘徊梦境,
梦中欢愉 化成爱之幻影。
眼波流转 声音迴耳纯净,
顾盼生辉 容光点亮黎明。

妳的呼唤 引我离开尘世,
执子之手 飞向光明之地。
冲破黑夜 瞬间蔽云见日,
圣光普照 美景壮阔绮丽。

痛苦呻吟 悲伤把我惊醒,
呼唤黑夜 将我带回梦境。
让我留在 夜之光华幻境,
让我重回 夜之神秘幻境。

        1878年,当玛丽安妮突然解除了与自己的婚约后,伤心欲绝的加布里埃尔·福雷(Gabriel Fauré 1845.5.12-1924.11.4)久久不能从痛苦失意中自拔。恰巧,与作曲家同为国民音乐协会成员的诗人兼声乐教育家布西纳(Romain Bussine),将自己翻译的几篇意大利语诗稿交给福雷,并建议他依此谱成法语艺术歌曲(mélodie)。某个孤寂的夜晚,孤枕难眠的福雷在读到这篇「梦后」,不禁被诗中描绘的情形深深触动,联想到自己恍若一梦的那段情感,曾经的幸福甜蜜,如今已然不再,现实的苍凉不由教人流连于虚幻梦境,惟愿长醉不复醒。于是,作曲家将愁绪付诸笔端,完成了这首凄美而带有梦幻色彩的短歌。
        「梦后」虽是福雷的早期作品,却以其夜曲般的音乐情绪,成为其代表作,并预示其“梦幻”风格的开端。该曲同另两首同时期完成的mélodie(“圣歌”、“船歌”),被汇编成一部套曲,以作品第七号传世。推荐的是大提琴与钢琴之duet演绎,宁静的伴奏钢琴声中,低音弦乐的轻揉,仿佛失恋者的独自啜泣,凄凉而悲绝。

大提琴: 亚诺什·斯塔克***
             (János Starker 1924.7.5-2013.4.28)
钢琴: 练木繁夫
***
          (Shigeo Neriki)

古水:

*sound of maestro*(大师原声)
*miracle of the voice*(声乐之魅)
*musica autentica*(本真之音) 之
莫扎特「C小调弥撒」之
荣耀经: 我们赞美你
(Great Mass in C minor, K. 427- Gloria: Laudamus te)

        莫扎特一生共写有弥撒作品(mass)18部,从12岁完成的第一部“短弥撒曲”(K. 49),到其离世之时仍未完成的神秘之作[安魂曲](K. 626),这位虔诚的天主教徒,似乎从未停止过用音乐表达对于主的感恩与赞美。
        [C小调弥撒],是莫扎特离开萨尔茨堡后创作的首部弥撒曲,约完成于1782年至1783年间,以四个独唱声部、双声部合唱辅以大型管弦乐队伴奏。虽被冠以“大弥撒曲”之名,却是较传统体裁在结构上存有诸多残缺(信经的大部缺失,圣哉经不完整,羔羊经整部遗漏),是作曲家故意留白,抑或是历史的佚失,或许只有上帝同莫扎特本人才彼此默契知晓。对于今天的普通爱乐者,我们大可不必去深究这些过于专业的曲式构架,亦无须费尽心思地揣摩唱词所包含的宗教意义,因为在音乐的明暗起伏和情绪宣叙中,那份心灵的释放与情感的升华已经超越语言与时空,教人真切听闻到了一个摆脱了羁束的灵魂自由的欢唱,那是对于一切美好的赞颂,更是对于信仰的虔诚告白。
        莫扎特在K. 427中所展示的对于器乐表现技法和声乐戏剧效果的成功实践,揭开了其维也纳时代的创作序幕,对于作曲家此后的歌剧、管弦乐以及宗教音乐无疑有着重要的借鉴意义。考虑到这部作品在现代演绎中的实际性,诸多补充修复版应运而生,最大限度保留原本章节数的十三段(重构圣哉经)版本当属最为常见!

女高音: 戴安娜·蒙塔古***
                 (Diana Montague 1953.4.8- )
演奏: 英国巴洛克独奏家乐团
***
          (English Baroque Soloists)
指挥: 约翰·艾略特·加德纳爵士
***
          (Sir John Eliot Gardiner 1943.4.20- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
莫扎特「D大调钢琴与乐队回旋曲」
(Rondo for Piano and Orchestra in D major, K. 382)

        就音乐之于后世的影响力而言,钢琴协奏曲当是莫扎特管弦乐作品中与其交响曲成就并驾齐驱之体裁了。Köchel目录中编号的30部钢协作品,在数量上已可令古今任何一位作曲家望而却步。除去11岁时依据同时期作曲家键盘奏鸣曲改编的四部“习作”(K. 37、39、40、41),以及成稿于萨尔茨堡其间的以J. C. Bach奏鸣曲发展而来的三部“次韵之作”(K. 107),23部原创作品从精巧雅致的曲式结构、形式多样的器乐配置,到细腻多变的音色效果及其辉煌绚丽的主题铺陈,无一不是这位缪斯的神来之笔。
        第5号钢协(K. 175),莫扎特一生颇为珍视和得意之作,不仅缘于该作在其第二次欧洲之行时所收获的褒赞,作为同类体裁在作曲技法上的突破许是令作曲家本人更为看重之原因,以至于当莫氏在1781年以自由音乐家身份定居维也纳之时,为维持生计并赢得声誉,首先想到的便是这部多年前的“旧作”。考虑到原作末乐章中“繁复”的奏鸣曲结构和对位技巧对教学实践的难度,抑或是为了迎合维也纳听众的欣赏口味,作曲家特意谱写了这部变奏风格的回旋曲,藉以替换原来的终曲,“优雅的小快板-慢板-快板”之表情提示,俨然将这个有些冗长的乐章循着一个别致的主题切分并构筑成了一部“完整”的协奏曲,自始至终绵延其间的却仍是莫氏那份与生俱来的天真与乐观,应景的冬日午后,独自倚于静谧咖啡馆的落地窗,听着杯勺清脆的碰撞,闻着由淡渐浓的焙芳,耳边乐音悠然回荡......
        维也纳将掌声和鲜花投向了这阕欢歌,自此,K. 382亦作为一部独立的音乐会作品被屡屡演绎,并成为最具莫扎特气质的协奏曲名篇。

钢琴/指挥: 丹尼尔·巴伦博伊姆***
                   (Daniel Barenboim 1942.11.15- )

协奏: 柏林爱乐乐团
***
          (Berliner Philharmoniker)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
瓦格纳 歌剧「漂泊的荷兰人」序曲
(Der fliegende Holländer- Overture)

        荷兰航海者妄图征服海洋,却言语冒犯神明,被诅咒终生漂泊海上,永世不得超脱,除非能觅得一位真心爱他的女子,以死亡破除咒语,获得灵魂救赎。为此,每过七年海浪会将荷兰人的船送回陆地,作短暂停留,让其寻找自己的拯救者,无数个七年后,荷兰人的船驶入了挪威的一个平静港湾......
        威廉·理查德·瓦格纳(Wilhelm Richard Wagner 1813.5.22-1883.2.13)完成于1841年末的三幕歌剧「漂泊的荷兰人」最初的创作动机来自于他与发妻敏娜的一段惊心动魄的海上旅行(实为逃难),挪威特维德斯特兰的峡湾成为了他终生难忘的避风港。回到欧陆的瓦格纳基于海涅(Heinrich Heine 1797.12.13-1856.2.17)的文学作品「施纳贝勒渥普斯基先生的回忆录」结合自己的亲历,将一段具神话色彩的浪漫故事搬上了舞台。瓦格纳在这部亲手撰写剧本的歌剧作品中,首次尝试运用了主导动机--与人物及主题相关之音乐元素,更是在最后谱写的序曲中,将这些主导动机按剧情发展有机串联,从而以管弦乐高度浓缩地概括了整部歌剧。
        序曲开始便藉狂暴有力的乐队齐奏表现出惊涛骇浪与狂风暴雨之主题,并为全剧悲剧结局打下伏笔;荷兰人(Dutchman)的主题隐隐夹杂在粗暴的和弦中,显得孤立无助,却又渴望救赎;乐句转入单簧管与长笛声部,平静的港湾中再次出现了荷兰人的主题,却已被象征善良与美丽的森塔(Senta)主题柔化;暴风雨的宿命动机从来不曾消失,作为戏剧背景总与正面主题顽固纠缠,相辅相成,直至最终女主人公殉情,诅咒破除,音乐情绪升华。
        瓦格纳曾将这部歌剧喻为自己创作生涯的转折,自此他以诗人身份自居。确实,该作品标志着他渐渐跳脱了一般意义上的歌剧匠人,而向着他的“乐剧”理想迈出了第一步。瓦格纳是一位骨子里崇尚自由却又笃信神话、深究哲学的浪漫主义者,某些在他生命中的事件会引发他的无限想象和创作激情,进而编织成音画诗卷。「漂泊的荷兰人」于1843年由作曲家亲自指挥,首演于德累斯顿,获得成功,并一直是拜罗伊特音乐节的保留曲目之一。一百多年后,一位对瓦格纳崇拜得五体投地的日耳曼人在妄图征服世界的举动功败垂成后,试图从曾经庇护了其偶像的挪威峡湾东山再起,然而,命运之神并未对之投以青眼,他沦为世界的头号恶魔,遭人唾弃。而瓦格纳的音乐却仍被今天的无数人所膜拜! 

演奏: 维也纳爱乐乐团***
          (Wiener Philharmoniker)
指挥: 乔治·索尔蒂爵士***
          (Sir Georg Solti 1912.10.21-1997.9.5) 

Bonus: 更多瓦格纳音乐分享(点击聆听)

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古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
贝多芬「G大调第十小提琴奏鸣曲」之
末乐章: 稍快板
(Violin Sonata No. 10 in G Major, Op. 96: IV. Poco allegretto)

        提到路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven 1770.12.17-1827.3.26)的小提琴奏鸣曲,“春天”(Op. 24)与“克鲁采”(Op. 47)两部想必最为人熟知,前者洋溢着的青春气息,后者散发着的激昂热情,各自镌刻下了作曲家生命中最美好的时光印记。在完成前9部小提琴奏鸣曲作品后近十年,年过不惑的贝多芬完成了他的小奏末篇--「Op. 96」,一部在音乐情绪上殊于前作而充满抒情气质的浪漫之作,与一年前的「“大公”三重奏」一样,作为献给自己的学生兼赞助人--奥地利的鲁道夫大公,法国小提琴家罗德(Pierre Rode)则担任了1812年作品首演时的弦乐声部。
        整部作品中,贝多芬似乎刻意回避了自己对于独奏乐器所能安排的炫目技巧,而是以一种在其中晚期创作中极为罕见的温柔静谧又极度内敛的表达方式,理性地宣泄着情感。从技术上溯其缘由,两位首演者能力上的不足或让作曲家将夺目的炫技展示代之以细腻的乐思描摹,而作曲家逐渐形成的达观淡然之心境则无疑奠定了音乐情绪之基础。首乐章(有节制的快板)在两件乐器平静的对答间展开,主题随之交错推进间,整部作品的乐思亦被总括性阐述,莫扎特奏鸣曲某些特质似乎在这里被明显继承下来;次乐章(富有表情的柔板)中小提琴那气若幽兰的揉弦和钢琴执着的伴随与紧接着的谐谑曲乐章似乎就是贝多芬彼时的心理写照--一份经历身体和精神的双重痛苦后,对于生命的无限眷慕和自我鼓舞,没有过多的如其交响曲作品中的戏剧冲突,倒是流露出一种勘破后的内心平复与满足;这种情绪的表达,到了末乐章则是通过一连串带有即兴性质的变奏来实现,G大调于调性上与首乐章的呼应和围绕主题展开的飘渺而具几分沉思气质的乐句行进,又让人在屏息凝神期待作曲家酝酿的情感爆发时,突然收住即将脱缰的音符,来了一个急速而意想不到的干脆结句,仿佛是对心中所有晦涩阴暗积滞的一种决绝!
        有时细细聆听,不难发现贝多芬亦有其温柔内敛的一面,把狂放羁束在从容不迫的理智下,把浪漫深植于每一滴血液和骨髓中,倒也折射出一个真实鲜活的不屈人格所应有的多面性!
        推荐这版著名的“黄碟”来自Abel-Steinberg-Winant Trio组合中两位音乐家的合作,乐句诉答宛如一对窃窃私语的恋人般和谐无隙,美国High-end扬声器厂牌Wilson Audio完美的录音技术,更将该曲中乐器的音色和平衡感处理得极好,让耳朵与心灵惊喜连连!

小提琴: 大卫·阿贝尔***
             (David Abel)
钢琴: 朱莉·斯坦伯格***
          (Julie Steinberg) 

古水:

*sound of maestro* (大师原声) 之
贝多芬 「降B大调单簧管三重奏」作品11号 之
末乐章: 主题与变奏
(Piano Trio in B-flat major, Op. 11: III. Tema con variazioni)

        每个人都曾有年轻的时候,时而亦会随波逐流,拥有各自心中崇拜的偶像,平凡人如此,伟人亦然,区别在于,后者能在纷繁的喧嚣中保持内心的淡然,认清自己人生的彼岸,却不被庸俗所淹,更使自身卓尔不凡。
        当1797年10月,奥地利作曲家约瑟夫·魏格尔(Joseph Weigl 1766.3.28-1846.2.3)的滑稽剧「海盗的爱情」(L'amor marinaro ossia Il corsaro)在维也纳宫廷剧院上演后,剧中的一曲「当我担起男子汉的职责」(Pria ch'io l'impegno),立即因其悦耳上口的旋律成为维也纳街传巷闻的“神曲”。当时身在维也纳的路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven 1770.12.17-1827.3.26),便将这一流行的旋律用作其正在创作中的三重奏作品之末乐章主题,并发展成九个变奏。鉴于当时木管乐器在室内乐作品中的锋芒初露,三件乐器中的小提琴常被单簧管替代,以迎合大众的猎奇心理,或考虑到以木管乐器演奏快速乐句换键之便利,该作品的调性亦选择了单簧管的本调--B♭。
        作为乐圣早期的室内乐作品,虽然仍未脱离古典时期海顿、莫扎特的传统风格,该作品却也并未让人听出太多之后那位抗争命运的勇士的顽强与不羁,反倒时时有如一股清新温暖的韶光洒落在乐句间,缀于音符之上的更是一份对于青春美好的赞颂与欢悦,一个对生活满怀憧憬的青年贝多芬跃然眼前......

全曲三乐章: (点击聆听)
I. Allegro con brio (轻快地快板)
II. Adagio (柔板)
III. Tema con variazioni: Allegretto (主题与变奏: 小快板) 

演奏: 纳什室内乐团成员***
          (numbers of The Nash Ensemble)

专辑链接 (点击聆听收藏)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
莫扎特「D大调第一圆号协奏曲」之
首乐章: 快板
(Horn Concerto No. 1 in D Major, K. 412: I. Allegro)

        作为与约瑟夫·海顿同龄的古典器乐演奏者--维也纳著名的圆号演奏家约瑟夫·雷特格布(Joseph Leutgeb 1732..10.6-1811.2.27)凭借非凡的吹奏技巧,不仅成为前者第一圆号协奏曲的受赠者,更令作为后生仰慕者的沃尔夫冈·阿玛丢斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart 1756.1.27-1791.12.5)为其创作了四首圆号协奏曲外加一部圆号五重奏。
        相较完成于维也纳时期的2、3、4号(K. 417/K. 447/K. 495)协奏曲(E-flat),采用不同调性的第一号(K. 412)实为莫扎特生命最后一年的未完成之作,由作曲家谱写的首乐章快板在明亮辉煌的D大调上闪烁出铜管乐器特有的温暖光辉,乐队声部中大管的低沉音色更是慰藉心灵。或出于演奏者年龄的关系,音域和技巧上的妥协使得作品呈现出返璞归真的味道,更流露着一份内心的恬静淡然,同时却丝毫未有折损旋律的美妙和曲意之精妙。现今通常将Köchel目录单独编号的K. 514作为这部协奏曲的第二也是末乐章,这首欢乐的回旋曲(rondo)据说是莫扎特的学生绪斯迈尔(Franz Xaver Süssmayr)在其死后依据其创作风格完成,也颇能教人联想起莫扎特众多回旋曲乐章的乐观情绪。
        推荐的澳大利亚圆号演奏大师塔克维尔演奏的整套莫扎特圆号协奏曲,亦收录了作曲家为该件乐器所作的两阕残篇K. 371和K. 494a,EMI经典录音,收藏首选!

独奏圆号: 巴里·塔克维尔***
                  (Barry Tuckwell 1931.3.5- )
演奏: 圣马丁学院室内乐团***
          (Academy of St Martin in the Fields)
指挥: 内维尔·马里纳爵士***
          (Sir Neville Marriner 1924.4.15- ) 

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
*clavier sentiment*(黑白柔情) 之
舒伯特「降B大调钢琴奏鸣曲」之
末乐章: 不太快的快板-急板
(Sonata in B-flat Major, D. 960: IV. Allegro ma non troppo-Presto)

        弗朗兹·舒伯特(Franz Schubert 1797.1.31-1828.11.19)的钢琴奏鸣曲,完整传世的有18部,创作时期贯穿了从其20岁之前直至离世那一年。许是作曲家的艺术歌曲和部分室内乐作品太过有名,掩盖了这些键盘作品的光芒,抑或是较之于贝多芬的钢奏作品,在结构和情感表达上还略逊一筹,舒伯特的钢奏在其生前乃至离世后的整个19世纪,长期被音乐界所忽视。进入演奏家辈出的20世纪,米拉·赫斯(Myra Hess)与阿图尔·施纳贝尔(Artur Schnabel)两位钢琴大师最先灌录了早期唱片,然而这些键盘作品真正的复兴并引起人们关注,则是始于德奥大师肯普夫于60年代对其完整的演录,随着更多的舒伯特遗稿被系统整理,一些缺失的奏鸣曲和散落的乐章被发现并集合成篇,目前公认的21部钢奏版本则是在70年代由钢琴家马蒂诺·蒂尔莫(Martino Tirimo)所修订确立。
        完成于作曲家生命最后一年的三部钢琴奏鸣曲D. 958-960,常被后世归为一套紧密相连的三部曲,其重要价值已越来越被人们所认识,不仅在其成熟而具个性的创作风格上,更在于其通过乐曲结构、和声、旋律的一致性所实现的音乐情绪关联性,而这正是源于舒伯特很多艺术歌曲如「冬之旅」(Winterreise)以及两组即兴曲(Impromptus D. 899、D. 935)所采用的套曲形式。1828年,对于已同病魔缠斗多年的舒伯特而言,可谓历经波折,情绪起伏的一年。年初个人作品音乐会的成功为他带来了可观的收入和出版商的青睐,自然也缓解了他长期以来的财务困境,然好景不长,随着秋天的到来,经济拮据伴着并发症再次向这位年轻人袭来。在其兄弟位于维也纳郊外的家中休养期间,舒伯特好像着了魔,亦或是预估到自己时日无多,日以继夜的创作成了他唯一的精神寄托,这最终将自己推向了生命的coda。
        编为奏鸣曲第21号的D. 960连同另两部钢奏,相信是平行创作完成的,在舒伯特于9月底完成修改稿后,便于一次小型的音乐聚会上由其本人演奏,随后也自信满满地向出版商发出了希望出版的邀约,然而,这个愿望直到其死后十年才由著名的Diabelli出版社达成,这些遗作的真正内涵更是直到百多年后方被世人解读--完全可以解读为作曲家于生命之光熄灭前的心理轨迹。长期的怀才不遇和郁郁寡欢使得作曲家渐渐对这个世界产生了强烈的疏离感,灵魂的放逐和流浪的幻想始终盘亘在舒伯特的心头,第一乐章频繁的变调将冗长的乐章笼上一层忧郁的色彩,仿佛是作曲家主观意愿被客观现实遏制后的沉默与失落,却丝毫没有幻灭的悲哀情绪,寂静中的击弦倒是透出几分率真与澄澈,如此脱俗而不染纤尘;次乐章小调在行板之上持续敲击出一份内心的平静,让人听出一颗企盼之心的脉脉诉求,那是对音乐,更是对生活的美好憧憬,当一切归于无声时,或许希望之光即将重燃之刻;诙谐而活泼的情绪教人顿时忘记生命中的种种苦痛,一切美好前所未有地将眼前愁云驱散,只是这份欢乐实在过于短暂,宛若一阵疾风般转瞬不见;终曲的情绪似乎是三乐章的某种延续,却又时时出现了首乐章的某些元素,隐隐间给人以几分“断舍离”的感受,却又被接踵而来的急板带回尘世的喧哗,恍若走过一条幽邃的林间小道后重入嘈杂的人境,是对回归的喜悦,抑或是对现实的焦虑,也许回头,已然美景不复,人生一世,终究红尘往渡!
        对于D. 960的诠释,不得不提的是Kempff与Brendel的版本,前者素以理性细腻著称,同时将音乐赋予最大程度的美感,舒伯特那些歌唱性的乐句在其指尖自然动人无比。英国人对于舒伯特键盘作品的处理却也是极其令人信服的,单就该作的多个精彩录音便足以确立其舒钢奏专家的地位了。推荐的这个版本是俄裔比利时钢琴家瓦莱利·阿凡纳西耶夫在唱片厂牌ECM的recital录音,个人觉得在速度、力度和情绪把握上亦体现出一番独到之处,录音更是细致入微,会心聆听,亦不失舒伯特晚期作品中纯熟的音乐构思和深邃的情感蕴藉!

演奏: 瓦莱里•阿凡纳西耶夫***
          (Valery Afanassiev 1947.9.8- )

古水:

*sound of maestro* (大师原声) 之
 莫扎特「D大调第26钢琴协奏曲」之末乐章: 小快板
 (Piano Concerto No. 26 in D major, K. 537: III. Allegretto)

        曾经在没有任何背景提示的情况下,把这部沃尔夫冈·阿玛丢斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart 1756.1.27-1791.12.5)生前最著名的钢协推荐给一名从未听过该曲的博友聆听,并询问哪个乐章最受青睐,得到的回复是--充满莫扎特式欢乐情绪的末乐章。
         「D大调第26钢琴协奏曲」,另一个响亮的名字--“加冕”(Coronation),却为后世所冠之,据说乃源于该作品曾由作曲家本人在宫廷献演,更缘于莫扎特曾在神圣罗马帝国皇帝列奥波德二世(Leopold II)1790年10月的加冕期间演奏该曲。殊不知,这部带有纯正莫扎特风格的作品却不完全是由作曲家本人完成,原稿及大量的文献显示,只有首乐章的大部分及二、三乐章的右手独奏部分出自其本人之手,其余部分则是由后世出版商依照莫扎特的曲式风格补充的,以至于后两个乐章的演奏速度提示亦常被标于括号内,仅作参考。尽管,在一些重要的炫技段落,作曲家的手笔时时能让喜爱熟悉他的耳朵辨识出,却终难逃过一些尖锐的批评,次乐章副部主题的笨拙想是首当其冲了的,或许今天的我们,无须过多纠结于此,哪怕,如果,若是莫扎特亲自完成整部作品,将会是一部何等精彩之作,云云......首乐章的原汁原味;次乐章的庄严深邃;末乐章的明亮高贵,已分明构筑起一部莫扎特协奏曲的典型,即便它所言无物,和弦亦另有出处,却仍是那样欢悦、单纯,让人感到无忧无虑...... 

整部作品共三乐章:(点击聆赏)
 I. 快板 (Allegro)
 II. 小广板 (Larghetto)
 III. 小快板 (Allegretto)

钢琴独奏: 弗里德里希·古尔达***
                  (Friedrich Gulda 1930.5.16-2000.1.27)
 协奏: 荷兰皇家音乐厅管弦乐团***
          (Royal Concertgebouw Orchestra)
 指挥: 尼古拉斯·哈农库特***
          (Nikolaus Harnoncourt 1929.12.6- )

专辑链接 (点击聆赏收藏)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
圣-桑 歌剧《参孙与达丽拉》之「轻唤我心」
("Mon cœur s'ouvre à ta voix" from Samson and Delilah)

        《参孙与达丽拉》作为圣经中最为人称道和传颂的故事之一,讲述了希伯来英雄参孙,得到上帝的垂靑,被赐予一缕头发,从而拥有了神奇的力量,带领自己的人民打败了异教徒腓力斯人,获得自由;然而不甘失败的敌人使用美人计,派遣美貌少女达丽拉诱使参孙说出自己战无不胜的秘密;失去魔力的参孙惨遭奴役,受尽凌辱,却在肉体与精神的双重痛苦之下,默默向上帝忏悔,终以自己的虔诚得到宽恕,重获力量,推倒神殿,与敌人同归于尽。
        法国作曲家夏尔·卡米尔·圣-桑(Charles-Camille Saint-Saëns 1835.10.9-1921.12.16),根据这段壮美的悲剧故事,于1867年开始构思创作的三幕歌剧《参孙与达丽拉》(Op. 47),或是受早期亨德尔清唱剧《参孙》之影响,然叙事结构及场景铺陈却极尽法国大歌剧之特点--戏剧冲突明显,情节扣人心弦,舞台布景奢华,着重人物刻画。尽管整部歌剧创作跨越数年,且历经众多磨难与非议,至1876年总谱完成时,几乎没有一家法国的剧院愿意上演这部歌剧,然而在弗朗兹·李斯特(Franz Liszt 1811.10.22-1886.7.31)的极力推荐支持下,该剧还是于次年被完整首演于魏玛,且自此成为圣-桑一生传世的13部歌剧中最成功,也是至今最常被演绎的一部不朽之作。
        歌剧第二幕这段著名的唱段「轻唤我心」(英语意译:Softly awakes my heart),是达丽拉意图以美色骗取参孙秘密时咏出的一段爱情咏叹调,一边是心怀叵测的爱情骗子,一边则是意乱情迷的痴心汉子,然而在这一段优美缠绵,感人肺腑的爱之诗篇背后,谁又能说,那位别有企图的偷心人没有在一刹那深深爱上这位正直憨厚的傻情郎呢......

法语唱词中译: (中文意译-古水,文字版权 © 古水,未经授权,任何人不得于站内转用或于站外盗用,违者必究!)

Mon cœur s'ouvre à ta voix,
comme s'ouvrent les fleurs
aux baisers de l'aurore!
黎明吻别黑暗
你把我心轻唤
犹如蓓蕾初绽
Mais, ô mon bienaimé,
pour mieux sécher mes pleurs,
que ta voix parle encore!
Dis-moi qu'à Dalila
tu reviens pour jamais.
于那爱情河畔
将我眼泪拭干
絮语再度出现
谓我君意辗转
相依直到永远
Redis à ma tendresse
les serments d'autrefois,
ces serments que j'aimais!
|: Ah! réponds à ma tendresse!
Verse-moi, verse-moi l'ivresse! :
Dalila! Dalila! Je t'aime!
追忆旧日誓愿
回溯往昔缠绵
你我情犹未断
恳请续我梦幻
Ainsi qu'on voit des blés
les épis onduler
sous la brise légère,
妾心思绪千万
如风轻拂芳甸
剪不断理还乱
ainsi frémit mon coeur,
prêt à se consoler,
à ta voix qui m'est chère!
芳心已觉悸颤
唯有君之惦念
方能将之排遣
La flèche est moins rapide
à porter le trépas,
que ne l'est ton amante
à voler dans tes bras!
|: Ah! réponds à ma tendresse!
Verse-moi, verse-moi l'ivresse! :|
Dalila! Dalila! Je t'aime!
像那离弦之箭
穿透死亡之眼
心无倥偬留恋
奔向爱之彼岸
回首妾心顾盼
是将孤独驱散 

ps: 作为少数以女中音担纲女主角的歌剧,唱词上大量装饰音的点缀,且在较宽音域上的连唱技巧,亦使得这一咏叹调成为最考验歌手水平的试金石。演唱会独唱版本(舞台版为加入了男声应答的二重唱)中最值得聆听的当属玛丽莲·霍恩与亨利·刘易斯这对音乐伉俪在黄金时期的合作录音,女声厚实而不乏穿透力的优雅声线与乐队的配合可谓天衣无缝,无懈可击。

女中音: 玛丽莲·霍恩***
              (Marilyn Horne 1934.1.16- )
伴奏: 维也纳歌剧院管弦乐团
***
          (Wiener Opernorchester)
指挥: 亨利·刘易斯
**
          (Henry Lewis 1932.10.16-1996.1.26)

音轨链接 (点击聆赏收藏)

古水:

*Bach 330* --70
*sound of maestro*(大师原声)
*musica autentica* (本真之音) 之
巴赫 「C大调第三小提琴奏鸣曲」之
末乐章: 很快的快板
(Violin Sonata No. 3 in C Major, BWV 1005:  IV. Allegro assai)

        "Sei solo a violino senza basso accompagnato",意大利语意为:"无低音伴奏的小提琴独奏",是约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastian Bach 1685.3.21-1750.7.28)为其六部小提琴奏鸣曲和帕提塔(组曲)所注的标题。以四根琴弦尝试所有的音符组合,将"忽快"、"转位"、"双重对位"等多种对位技法完美地融于和谐旋律之上,把前人的曲式体裁发展成后无来者的巅峰艺术形式,更成为其后无数代音乐人顶礼膜拜的瑰丽之篇。
        在该作众多的名家名琴演绎中,职业演奏家的演奏最常以克雷莫纳(Cremona)三大制琴世家的古董提琴作为诠释六部"小无"的首选,做工精致考究,音色饱满洪亮的意大利琴充分突显了高音弦乐器的特性,更是把那个时代无数辉煌篇章完美再现。雅各布·斯坦纳(Jacob Stainer c. 1617-1683)或不如阿玛蒂(Amati)、瓜奈里(Guarneri)和斯特拉迪瓦里(Stradivari)那般为今人熟悉,却是当今传世弦乐器中最为稀有的德奥本土提琴品牌之一。出生在距奥地利因斯布鲁克不远的阿布萨姆小镇的斯坦纳,早年曾学艺于提琴祖师阿玛蒂门下,对意大利精湛制琴工艺的熟谙,加之细致严谨的制造技术,使得出自斯坦纳手下的乐器产生出细腻多变的音色,从而一直成为巴洛克乃至古典时期整个欧洲音乐界极力追捧的对象,在今天众多传世名琴各有其主和拥趸之时,极其稀有的斯坦纳小提琴则以其更贴近巴洛克时期的轻盈音色,成为难得一闻其声的臻品乐器。
        推荐这曲的演绎来自巴洛克小提琴演奏家、美国印第安纳大学小提琴教授 斯坦利·里奇,所用乐器为一把1670年的斯坦纳琴。静下心来听听这把比巴赫年纪还大的古董小提琴是如何将巴洛克之音优美展现的,更细细品味在除去一切名家名版、名琴靓声的虚饰后,真正沁入心灵深处的音乐所传达的本质精髓吧!

小提琴独奏: 斯坦利·里奇***
                     (Stanley Ritchie) 

古水:

*sound of maestro* (大师原声) 之
贝多芬「G小调第二大提琴奏鸣曲」之
第二乐章: 回旋曲. 快板
(Cello Sonata No. 2 in G minor, Op. 5 No. 2: II. Rondo. Allegro)

        古典时期的早期钢琴(fortepiano)相比我们今天常见的现代钢琴,在音域和音量上都还有很大的差距,故而在一些古典键盘奏鸣曲中,常会引入低音音域更为宽广的大提琴作为助奏,配合钢琴左手弹奏,以期产生更为饱满的低音伴奏效果,从而使作品的演奏在听觉上更具平衡感。
        路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven 1770.12.17-1827.3.26)为大提琴与钢琴共写了五部奏鸣曲,分别是完成并出版于1796年的第一、二号(Op. 5, No. 1 & No. 2);1808年谱写的第三号(Op. 69)以及创作于1815年的第四、五号(Op. 102, No. 1 & No. 2)。最早完成的两部显然是带有实验性质的作品,双乐章结构完全相同,音乐构思演进亦基本相似--都以一个持续而缓慢的序奏引出首乐章快板主题并历经转调和发展,末乐章则是一个篇幅短小却充满谐趣的回旋曲。或是由于担心大提琴抢去钢琴过多的风头,贝多芬基本未在这些奏鸣曲中安排适合大提琴表现其歌唱特性的慢乐章。故而,如同任何有钢琴参与的室内乐作品一样,在作曲家前四部大提琴奏鸣曲中,有名乏实的弦乐器仍居于从属地位,为当时略显孱弱的乐器之王担当着绿叶,直到第五号创作之时,加粗的钢琴琴弦已足以让其声响不至于淹没于大提琴的低音中,后者的个性才得以稍稍显露。推荐的第二号,经贝多芬与当时的宫廷琴师让·路易·杜伯特(Jean-Louis Duport)献演于柏林,大受普鲁士国王威廉二世(Friedrich Wilhelm II)称赞,慷慨的赏赐自然也使这位君主成为了Op. 5的题献对象。大调的回旋曲中,两件乐器宛若一双顽皮的雀鸟,彼此嬉戏追逐间,用各自最美的歌声咏唱着一份相同的悠然与欢乐,钢琴声是雄鸟鲜亮的羽毛,大提琴则是爱侣那一声衷情的鸣叫,共同交织成一份教人艳羡的美妙。
        经过两个多世纪的发展和完善,现代钢琴已经成为当之无愧的乐器之王,当我们再次聆听乐圣这些充满器乐和谐之美的篇章之时,或许主/助奏乐器间的刻意牵制和所要表达的深意已非我们关注的重点,器乐和谐之美与谛听所带来的精神愉悦才是古典音乐真正的意义所在。

钢琴: 艾曼纽尔·埃克斯***
           (Emanuel Ax 1949.6.8- )
大提琴: 马友友***
               (Yo-Yo Ma 1955.10.7- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声)
*musica autentica*(本真之音) 之
维瓦尔第「C大调协奏曲」之首乐章: 很快的快板
(Concerto in C Major, RV 558: I. Allegro Molto)

        安托尼奥·卢奇奥·维瓦尔第(Antonio Lucio Vivaldi 1678.3.4-1741.7.28)之器乐协奏曲创作跨越了其整个后半生。从曲式沿袭自科莱利、阿尔比诺尼等前人的12部小提琴协奏曲「异乎寻常」(La stravaganza, Op. 4)为代表的早期实验阶段;到完成12部协奏曲集《和声与创意的尝试》(Il cimento dell'armonia e dell'inventione, Op. 8)中最为著名且确立其个人风格的《四季》(Le quattro stagioni)的发展期;再到融入诸多歌剧元素及和声技巧的成熟丰产期;最后是摒弃保守而兼收并蓄接纳创新作曲技法的晚期。维瓦尔第的作品总能成为当时整个欧洲音乐界所推崇效仿之典范,更是深深影响了如巴赫那样的巴洛克巨擘。
        在长到望不见尾的RV(Ryom-Verzeichnis)编号中要寻觅到“红发牧师”最具代表性的协奏曲的确不易,“RV 558”,相信是维瓦尔第晚年的一部较特别的作品--为两支竖笛、两支芦笛、两架中世纪单弦锥形提琴、两把曼陀林、两把低音鲁特琴,一把大提琴以及弦乐和通奏低音(大键琴)所作,这一大堆古董乐器单看名字就已令人耳晕目眩,那当牠们凑在一起,发出的声响是美呢... 还是美呢... 还是美呢...... 

演奏: 英国协奏团***
          (The English Concert)
大键琴/指挥: 特雷沃·平诺克***
          (Trevor Pinnock 1946.12.16- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
罗西尼「弦乐奏鸣曲第三号」之
末乐章: 不过份的
(String Sonata No. 3 in C Major: III. Moderato)

        弦乐四重奏作为室内乐中的重要形式,经由古典时期的鲍凯利尼、海顿、莫扎特之发展传承,到贝多芬时期或已成为展示作曲家对乐器间平衡能力及乐思表达才能的试金石,一部完美的四重奏作品,当能达到甚至超越一首交响曲所蕴藉的音乐思想。
        以歌剧作品著称于世的意大利作曲家焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼(Gioachino Antonio Rossini 1792.2.29-1868.11.13)在其24岁时便以一部喜歌剧「塞维利亚理发师」扬名天下,确立其在当时歌剧界乃至其后几十年内无人能及之地位。殊不知,在其12岁之年,便以其近似莫扎特的天赋灵感与少年才气,在短短三日内,完成了六部弦乐四重奏之创作,这些作品虽带有海顿和莫扎特的深深烙印,却已然显示出这位天才于之后走向歌剧神坛的种种先兆--精巧的结构之上被赋予频繁的节奏变化,清晰的乐句脉络之下始终贯穿着美妙的旋律,恍若人声的弦乐在高低音间优雅起伏,散发出帛锦般的熠熠光辉,令双耳难以防备,心灵渐渐迷醉。若是多年后耳背眼花垂垂老矣的乐圣知道罗西尼在自己热衷弦乐四重奏创作之年已经有这般了得之作,想必也不会说出:“全情投入喜歌剧创作吧,任何其他音乐或将浪费你的才华!”之类的话来。
        这些在作曲家有生之年被埋没的精华之作,于今世常以被改编成小编制弦乐室内作品(或谓弦乐奏鸣曲)之形式演绎,扩充的声部和提升的音量相较原始的2把小提琴加上大提琴和倍低的编配更具音乐表现力,也充分展示了多声部弦乐之美。 

演奏: 圣马丁室内乐团***
          (Academy of St Martin-in-the-Fields)
指挥: 内维尔·马里纳爵士
***
          (Sir Neville Marriner 1924.4.15- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
 里姆斯基-科萨科夫「西班牙随想曲」之
 第三乐章: 晨歌
 (Capriccio Espagnol, Op. 34: III. Alborado)

 

        位于伊比利亚半岛的西班牙,有着湛蓝的天空与清澈的海水,更有着最为热情的人民,不同地域的风俗孕育出了异彩纷呈的音乐和舞蹈,成为历代无数西班牙音乐家灵感的源泉,更是引来众多的异国作曲家为之谱写赞歌。
         19世纪俄罗斯“强力集团”成员之一的尼古拉·安德烈耶维奇·里姆斯基-科萨科夫(Nikolai Andreyevich Rimsky-Korsakov 1844.3.18-1908.6.21)创作于1887年的五乐章管弦乐组曲「西班牙随想曲」,以西班牙阿斯图里亚地区民歌主题为基础,丰富绚丽的配器伴上活泼且极具异国风情的旋律,让人仿佛置身洒满阳光的浪漫国度,随着一声欢快的晨歌迎接新一天的朝阳,思绪插上翅膀在乐声中飞翔,耳边时而有晨歌回荡,更向着吉普赛歌谣传来的方向,恍然将心情引至方丹戈舞曲的激昂!
         「西班牙随想曲」作为里姆斯基-科萨科夫两部充满异域色彩的管弦乐作品之一(点击聆听另一部),出色的配器自然担当者极其重要的角色。为了创造出更为活泼流畅的音乐语言,作曲家甚至将该作原先的小提琴协奏曲形式改为如今的纯粹管弦乐曲,独奏乐器的表现自然也是减弱并融入到乐队的声效中了,强烈的民族音乐元素,教人一听难忘的同时,更对西班牙产生了无比丰富的遐想。
         推荐这版来自DECCA唱片在1957年的经典录音-España(西班牙),西班牙指挥家阿根塔率LSO创造出的该曲演录音效至今无人能敌,第三段的“晨歌”是首段乐曲不同调性及配器之演绎,仔细用你的耳朵听听里面concertmaster所带来之令人惊艳的小提琴音色吧!

整部作品链接: (点击聆赏收藏)
 I. Alborada(晨歌)
 II. Variazioni(变奏)
 III. Alborada(晨歌)
 IV. Scena e canto gitano(场景与吉普赛歌谣)
 V. Fandango asturiano(阿斯图里亚风格的方丹戈舞曲)

 

演奏: 伦敦交响乐团***
           (London Symphony Orchestra)
 指挥: 阿托尔弗·阿根塔***
           (Ataúlfo Argenta 1913.11.19-1958.1.20)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
霍尔斯特「行星组曲」之
木星--欢乐使者
(The Planets
, Op. 32: Jupiter, the Bringer of Jollity)

        人类若只是一味将视线停留在当下和前人留下的文明之上,不去开拓思路并放眼于未来,那便不会有进步,亲手缔造的文明亦将成为限制自身发展的囹圄。
        1913年春,英国作曲家古斯塔夫·霍尔斯特(Gustav Holst 1874.9.21-1934.5.25)在其好友,作家克利福德·巴克斯之建议下,着手以占星学为题材进行创作,历经从1914年一战爆发前夕到1916年的三年断断续续创作,七部音乐情绪迥异的键盘作品(钢琴四手联弹及管风琴独奏)相继问世,这也正是其后经作曲家亲自改编而广受赞誉的管弦乐组曲--「行星」的原始初稿。虽以当时太阳系已知的除地球之外的七大行星命名,却全然没有天文学意义上的联系;虽为每个乐章加注了名称与标题,亦全然不是对浪漫派标题音乐的继承;或许脱离了传统神学内涵并顺应当时科技进步的思维方式,才更能解释这套作品所要真正传达的深意--人类自身与宇宙洪荒间的宏观联系,人类心灵与神秘星球间的微观默契。
        带着欢乐而来的"木星"处于七个乐章中心,也将整套作品其余六个乐章的情绪犹如镜像般划分成对立的两面: 首乐章"火星"的躁动不安与末乐章"海王星"的寂静神秘;"金星"的安详庄重与"天王星"的变幻诡谲;"水星"的轻盈诙谐与"土星"的老成持重。作曲思路的创新使得整部作品给人耳目一新之感受,首末乐章对中国传统五声音阶的运用使音效更显神秘和异域特色,"海王星"一章更是加入了六声部女声合唱,以营造特殊效果,富有想象力且炫丽的管弦乐配器更是将每一个乐章副标题的心理暗示通过各种音乐表现技法生动传递,可谓动静俯仰间,已将人生的平淡与辉煌透视无遗,更把人类的渺小与太空的浩渺完美洞悉。难怪后世将这部鸿篇巨作认作霍尔斯特最成功的音乐作品,并将其视作20世纪科学幻想音乐的开篇之作。
        在霍尔斯特逝世前的1930年,冥王星被人类发现,却并未激起作曲家的创作欲望,毕竟,只靠一部作品流芳百世决非任何一位具有创新意识者之初衷,躺在旧时成就之上沾沾自喜实乃庸人之举,若是停滞不前,人类又怎会在八十多年后认识到自己的错误,继而将冥王星逐出太阳系行星行列呢?

演奏: 柏林爱乐乐团***
          (Berliner Philharmoniker)
指挥: 赫伯特·冯·卡拉扬
***
          (Herbert von Karajan 1908.4.5-1989.7.16)

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