汉哥你的幻肢怎么那么长

十为做人,一为做事。做人宜粗,做事宜细。【Intended Psych and Econ Major★想吃很多很多好吃的★四流钢琴手★喜欢评论多过推荐★勉强算个写手吧★如果可以的话真想和你们一起玩耍】

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*clavier sentiment*(黑白柔情) 之
舒伯特/李斯特「纺车旁的葛丽卿」
(Gretchen am Spinnrade, D 118 - Transcription: Franz Liszt, S. 558/8)

        少女葛丽卿(玛格丽特)是德国诗人、剧作家歌德(Johann Wolfgang von Goethe 1749.8.28-1832.3.22)长诗「浮士德」第一部中的人物,纯良本性和对爱情的天真渴望,使其陷入情感漩涡,终沦为主人公和魔鬼灵魂交易的牺牲品。
        弗朗茨·舒伯特(Franz Schubert 1797.1.31-1828.11.19)于17岁时,根据原诗第18场谱写的艺术歌曲「纺车旁的葛丽卿」,描绘出一个为情所困心破碎,为伊消得人憔悴的少女,在纺纱之时唱出心中愁绪的动人场景,钢琴旋律声部模仿不停转动的纺车,在好似踏板的和弦敲击中,脑海中对于浮士德的思念与甜蜜时光的回忆,如潮汐般涌上心头,不断增强的力度及调性切换更呈现出由平静向狂乱、由希望入绝望的心绪转变,动情之处,踏板声戛然而止,手中的纺纱线却已将芳心牵入幻境,恋人的耳鬓厮磨、甜蜜温存依然教痴情人无比兴奋;待乐曲重回起始部小调主题,幻想随即破灭,失爱的苦闷如不停转动着的纺车,将其拽回现实的单调与残酷,恰如望不到尽头的孤独与等待,当她唱起那句“我己失去安宁,我的心中苦闷;我再也找不回牠, 再也找不回了。”怅然夹杂着释然,隐隐中流露出无奈......
        弗朗茨·李斯特(Franz Liszt 1811.10.22-1886.7.31)在“艺术歌曲之王”辞世后第十个年头,将其12首歌曲改编成钢琴独奏,集于S. 588编号下,这一曲的改编版中,钢琴强化了左右手的技巧,以细腻丰盈的琴键音效和多变的调性设置,将原作之心理描摹焕以无词歌的意境,器乐之艺术表现力亦藉此被推向极致,达到与人声无限接近的完美境界!

钢琴独奏: 莉莉娅·齐柏丝坦***
               (Lilya Zilberstein)

古水:

*sound of maestro*(大师原声)
*musica autentica*(本真之音) 之
亨德尔「D小调大协奏曲」
末乐章: 中庸的快板
(Concerto Grosso in D Minor, Op. 6, No. 10, HWV 328 - VI. Allegro moderato)

        大协奏曲源自意大利,基于巴洛克三重奏鸣曲,由一组规模较小的器乐主奏部同另一组数量较多的器乐协奏部分饰三声部中的两个高音部,在通奏低音伴奏下以对位形式轮流演奏主题,形成呼应。阿尔坎杰罗·科雷利(Arcangelo Corelli 1653.2.17-1714.1.8)的12部大协奏曲(Op. 6)为该体裁树立了范本,更在乐器组成及乐章结构上影响了其后的创作。
        格奥尔格·弗里德里希·亨德尔(Georg Friedrich Händel 1685.3.5-1759.4.14)的大协奏曲多用于其清唱剧的幕间演绎,相较于Op. 3编号下的六部(1734年),1739年末仅用32天便告完成的12部(Op. 6)无疑体现了其精深的创作造诣,沿袭科雷利传统之同时,充分融入了意大利歌剧咏叹调、法国式序曲、民间舞曲、赋格与对位、主题与变奏等诸多元素,形成个人新颖独特的音乐语汇。
        第十号由六个乐章组成,法国式序曲连缀五段舞曲风格的乐章,使之更接近于组曲。藉大小调及曲速之变化,呈现出各异的音乐意趣。末乐章,D大调二段体式,欢悦的加沃特舞曲质朴清新,八分音符与四分音符在弦乐高低音上的巧妙竞逐与对答,将巴洛克音韵之华丽美感淋漓俱现!

演奏: 蒙特利尔音乐家室内乐团***
        (I Musici de Montréal)
主奏大提琴: 尤里·图洛夫斯基***
        (Yuli Turovsky 1939.6.7-2013.1.15)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
西贝柳斯「忧伤圆舞曲」
(Valse Triste, Op. 44/1)

        入夜,忽明忽暗的炉火边,病弱的妇人气息奄奄,寒意裹着疲惫令床榻边陪伴的幼子睡意沉沉,不祥的氛围在木屋中弥散。远处隐约传来一段旋律,如夜的精灵般潜入屋内,暖意和光亮霎时传向四壁,妇人醒来,神情恍惚地随着节拍摇动身躯,她的眼前赫然呈现出一番热闹的舞会场景,兴奋的宾客们翩然起舞,却对她的存在视而不见,任凭其目光中流露出的善意邀请。她累了,倒向床边,人们随着音乐止歇而散去,尚未尽兴的妇人却用自己残存的气力召唤着舞会的继续,而此刻,音乐和舞步渐趋狂乱,令她陷入无比惊恐,伴着三记沉重而急促的叩门声,化身为妇人亡夫的死神猝然降临。一切喧嚣归于沉寂,幼子在寒颤中惊醒,炉火已灭,泪湿双颊。
        让·西贝柳斯(Jean Sibelius 1865.12.8-1957.9.20)为其内兄,作家阿尔维德·雅涅菲尔特(Arvid Järnefelt 1861.11.16-1932.12.27)1903年的剧作「死神」(Kuolema)谱写的六段配乐,以这首著名的管弦乐舞曲开始,其单独的曲名和现用编号则是分别源自作曲家在次年的改编版和逝世后的出版序号。整首乐曲忧伤与喜悦的情绪交迭互现,作曲家孕育自冰寒霜冻下的冷艳气质同晚期浪漫主义的悲观情调,巧妙融合并创造出神秘却不乏现实意义的音乐语汇,古典圆舞曲形式的轻快优雅被赋予了双重的人生象征意,有觥筹交错,高朋满座的幸福喜悦,亦有失志沦落,死生契阔的悲恸凝噎。
        浓重的管弦乐色彩加之标题音乐的叙事性,使这部作品常被后世归为单乐章音诗来演绎,优美的旋律虽带有沙龙味,却也极具反复聆听之趣!

演奏: 费城管弦乐团***
         (Philadelphia Orchestra)
指挥: 尤金·奥曼蒂***
         (Eugene Ormandy 1899.11.18-1985.3.12)

音乐随身听:

【古典音乐】大提琴:福雷《西西里舞曲》

据说福雷到意大利的时候,坐在荡漾的船上,听到西西里民歌触发灵感,写下了这首“水味十足”的《西西里舞曲》。它有着民间牧歌风格的主旋律,意境浪漫隽永,犹如一幅轻柔明快的水彩画,充满光与影的交织变化。听来平和、含蓄,充满冥想。

福雷(Gabriei Faure,1845~1924)是法国最杰出的作曲家之一,与德彪西、拉威尔齐名。他在继承古典主义和浪漫主义音乐传统的同时,又为印象派音乐的出现开辟了道路。《西西里舞曲》选自福雷的戏剧配乐《佩利亚斯与梅利桑德》。

曲目:Sicilienne Op. 78

演奏:Julian Lloyd Webber / John Lenehan

专辑:Unexpected Songs

古水:

*clavier sentiment*(黑白柔情) 
*musica autentica*(本真之音) 之
舒伯特「A大调第20号钢琴奏鸣曲」
第二乐章: 小行板
(Piano Sonata No. 20 in A Major, D. 959: II. Andantino)

        “D. 959”,弗朗兹·舒伯特(Franz Schubert 1797.1.31-1828.11.19)三部“晚期”钢奏中最优美的遗世之篇,充满了作曲家生命尾声复杂而晦涩之情绪,却常以诸如“缺乏结构性和戏剧性”、“旋律有失完整与流畅”之类的理由,而长久被低估,进而有艺术性上居于贝钢奏之下,聆听趣味上又逊于莫氏成熟之作的片面之词,但也因此,成就了无可替代的舒伯特风格。
        颔乐章-小行板,富有诗意的长旋律主题,让人频生浪漫的联想,是作曲家在创作生命的十数个春夏中的柳丝飞絮,继之以每一轮秋冬里的孤独怅惘,悲凉的处境和踌躇的人生际遇,如阴云在内心层层积滞,或是性格使然,却不遣以愤怒的呐喊,而只在那教人动容的乐句下抱以声声哀叹;乐曲中段,不和谐音毫无征兆地出现并将乐句打断,无助的沉默伴以琴键的大力敲击,犹如人生面对命运的无常与多舛,令人期待的情感爆发亦只徘徊于绝望的深渊,须臾便被拉回希望的河岸,仿佛一幕虚惊一场的悲剧预演,灯灭人散后却依然残留一番惊心动魄在脑际盘旋,暮然间,冷泪已不觉模糊了视线。
        “艺术歌曲之王”的音乐中,永远不乏希望与绝望的并行共存,这一特征在其晚期作品中尤甚,就如天鹅的哀号中隐含着将死的幽怨,却又是如此凄美而教人生生迷恋......

Tip: elatus是华纳唱片(Warner Records)旗下古典厂牌,名字来源于古希腊神话人物,简约素雅的装帧和亲民的售价下,却不乏大牌演奏家的留声,Barenboim和Harmoncourt等大师级人物都曾为该品牌录制过大量经典曲目。

早期钢琴独奏: 安德利亚斯·斯泰尔***
                       (Andreas Staier 1955.9.13- )

音乐随身听:

【古典音乐】巴赫《E大调第三小提琴组曲》第三乐章之嘉禾舞曲

J. S. 巴赫为独奏小提琴而作的奏鸣曲与组曲一共6首,BWV1001—1006,大约作于1720年;据推测,乃为当时克滕宫廷乐团的小提琴演奏家约瑟夫·史比斯(Joseph Spiess)所作。

其中第一、三、五为奏鸣曲,二、四、六为组曲。巴赫设计了小提琴表达所能演奏的一切和弦,使用了几乎不可能演奏的对位技巧。它们构成了巴赫小提琴音乐的最高峰巅。

Viktoria Mullova,1959年生于莫斯科,后移居奥地利。她的演奏技巧娴熟,圆润丰满,虽然表面冷峻、理智,但内心却仍给人以热情奔放的印象。

曲目:Partita No. 3 in E Major, Bwv 1006: III. Gavotte En Rondeau

演奏:Viktoria Mullova

专辑:Bach: 6 Solo Sonatas & Partitas

古水:

        《Cavatina》(卡伐迪娜 英文意为:抒情短曲)是英国电影配乐大师/作曲家斯坦利-梅耶(Stanley Myers 1930.10.6-1993.11.9)最为人熟知的作品,原是为钢琴所作,在一代古典吉他大师约翰-威廉姆斯(John Williams 1941.4.24- )盛邀下重新修改並拓展为吉他曲目。在1970年的影片《手杖》(The Walking Stick)中首次被用作主题曲,但真正使该曲名声大噪则是在其被1978年美国越战影片《猎鹿人》(The Deer Hunter)用作配乐后,这版由威廉姆斯亲自演绎的器乐乐队版更是于当年同该曲的两个改编版(影子乐队的电子吉他版和爵士/流行天后克莱奥·莲恩的人声版)先后登上了英国Top10单曲榜。
        此后"猎鹿人的主题"被无数乐队、歌手争相改编演绎,更被后来的古典吉他演奏者们奉为指弹必修曲目,其被演奏的频繁度几乎与近代另两首古典吉他不朽名作--《阿尔罕布拉宫的回忆》(1896年首演)及《阿兰胡埃斯协奏曲》(1940年首演)不相上下,更是与另一部鼎鼎大名的《爱的罗曼史》(Romance De Amor)齐名。曲中时时氤氲在古典技法上的现代音乐气质又让人如临一幅色彩淡雅的水彩画作,期间时有初夏清风阵阵,拂过脸颊,褰起发丝,撩拨情愫......
        《Cavatina》可以说是唯美作品中的代表,虽然与《爱的罗曼史》齐名,但从演奏技巧方面来说,却更为复杂,在其音乐呈现及内涵表达上绝非一般人所能企及。乐曲在轻柔的分散和弦的伴奏下奏出舒缓如歌的旋律,意境温柔而浪漫,充满了无限的向往与憧憬,最后在无穷的眷恋中全曲引向终点。弹好本曲的关键是左手不露痕迹的换把,以及右手拨弦的力度,力求柔美、厚实的音色。

ps:电影原声大碟中的重奏版(Reprise)更能将人带入画境
     中国古典吉他女演奏家 杨雪霏
 的独奏标准版亦很不错

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*sound of maestro*(大师原声)
 之
维瓦尔第「D大调鲁特琴协奏曲」
次乐章: 广板
(Lute Concerto in D major, RV 93: II. Largo)
 
 

        源于阿拉伯的鲁特琴,是一种曲颈拨弦乐器,羊肠弦与梨形音腔共鸣,产生出的是细腻独特而富于变化的悦耳音色。从十世纪传入欧洲至文艺复兴早期,于形制和演奏方式上的诸多改良,使其从单一的和弦用途逐渐向伴奏及主奏声部发展,并成为巴洛克时期南欧地区重要的乐器家族,拥有不同弦数和音域的分支十余种,中国和日本的琵琶,以及现代的吉他都与之有一定的亲缘和传承关系。
        出生于威尼斯的安东尼奥·卢齐奥·维瓦尔第(Antonio Lucio Vivaldi 1678.3.4-1741.7.28)在25岁领受神职之前,便早以小提琴家的身份享誉水城。其后的近40载人生岁月里,这位“红发神父”更携演奏家、作曲家、音乐教师、宫廷乐师及剧院总监等多个头衔,创作了大量的宗教音乐、清唱剧、歌剧及室内乐,成为引领巴洛克音乐风潮之巨匠,其卷帙浩繁的协奏曲作品更是确立了巴洛克器乐协奏曲之标准结构。
        这部为鲁特琴和弦乐器组而作的协奏曲成稿于维瓦尔第晚年,恰值该种乐器最为流行的年代。虽然作曲家擅长的小提琴在其中仍扮演了举足轻重的角色,鲁特琴清新优美的穿插拨奏却也如一缕清风,预示了独奏乐器协奏曲之来临。次乐章,缀满琶音的柔缓乐句,隐隐描绘出退去潮水的圣马可广场,在经历了彻夜狂欢后,于沁透着淡淡海水咸味的晨雾中慢慢苏醒,四周渐灭的灯火伴着次第清晰的贡多拉,摇曳中,将一份飘渺的思绪荡向曙光初现的远方......
        当代对于该作品的演录,多以古典吉他替代古老的鲁特琴,虽寡了一份质朴本真的韵味,却也独添一番恬淡惬意之情调,教人忘却都市生活的紧张与喧嚣。 

独奏吉他: 埃德瓦多·费尔南德兹***
                 (Eduardo Fernández)
协奏: 英国室内乐团
***
          (English Chamber Orchestra)
指挥: 乔治·马尔科姆
***
          (George Malcolm 1917.2.28-1997.10.10)

Tips: 网络不给力的古典听友可以 点这里

Bonus: 鲁特琴与乐队演奏视频 (点击聆赏)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
马勒「第五交响曲」
第四乐章: 小柔板-极柔缓
(Symphony No. 5: IV. Adagietto. Sehr langsam)

        对于古斯塔夫·马勒(Gustav Mahler 1860.7.7-1911.5.18)的交响曲作品,实非偶尔听过其几个乐章甚至夜夜无数遍循环不同版本,便会教人习惯性地萌生爱意,亦非细读每一篇评论大家奇思妙想的高谈雄辩,即可造次地随意发表所谓的“乐评”,作为一名凡人,更于那些不善思索,视心灵鸡汤为精神养料者,终其一生,亦未必能在马勒以音符构筑的宏大诗篇中觅得生命长河中时时闪现的亘古真谛。
        “五交”,在此当循作曲家之本意,省去调性的标注,任音符打破传统的桎梏,更使思想挣脱理性的羁束。在1901年罹患内出血而与死神擦肩而过后,马勒对死亡有了更为直观的认识,早前出现在其交响曲中的那个虚幻缥缈且倍受其调侃乃至抗辩的死神形象,变得从未有过的触手可及与不可回避,恐怖外衣下令世人讳莫如深的颓废魅力却仍似精神鸦片一般令其恹恹沉溺,于是马勒在第一乐章近乎毫无抵制地屈从于死亡号角的召唤,在庄严迤逦的葬礼进行曲中目送着一个理想主义者的逝去,然癔症的性格再一次令其迷恋于死亡和其如恶之花般的魅力,在二乐章中不厌其烦地以长篇累牍继续死生探究的游戏。三乐章以诙谐的情绪展开了一段人世的欢舞,“不太快且有力”的速度提示下朝气蓬勃的连德勒舞曲节拍呈现的是病愈后的喜悦,更是作曲家于现实美好中寻得之片刻慰藉,却是在与主题相伴而生之冲突旋律中透露着丝丝挥之不去的焦灼和忧郁--或是来自心底对于死亡的真正恐惧,又或是对于几番歌舞升平下世俗幻境之讪讪嘲讽,醒世的号角再次响起,粗暴却不入绝望,将尘世的美梦撕裂。竖琴袅袅仙音交织下的弦乐小柔版是整部作品中的“另类”乐章,一切痛苦或躁动情绪瞬间被温存与浪漫情致覆盖,那是马勒对于自己生命中至爱--阿尔玛的爱语宣言,更是灵魂之于死生拷问风浪中的静谧港湾,此刻,纯洁之爱令马勒重回他向往的天堂,教他纠结而难以摆脱的矛盾对抗暂得平息。如同一、二乐章的乐旨延续,末乐章中对“爱情颂歌”之迢递共筑起这部交响长篇的第三部分,低音部深沉的挽歌终究无法掩去铜管乐声部辉煌的主题升华,好比爱与生命的延续终将胜却暂存的阴郁,节拍速度和音乐情绪的逆转,叙写生命长河中不得不直面且亲历的所有喜怒哀乐,教人沉沦,又激人奋进,而这一切都只在三乐章中多重织体的并存演进中,投射出诸多看似纷繁无序,实则奇巧有致如美钻切面的璀璨光辉,谁又能一叶障目而取其一二呢?
        作为马勒十部交响曲中转折之篇的“五交”,堪称其个人创作风格与思想境界嬗变的里程碑之作,作曲家将人生的不同对立面高度统一到一部完整的音乐中,进而把生命的真谛高度浓缩,爱与死亡,在之中成为两个反复出现,相互盘旋的永恒主题!这也是值得作曲家本人、演绎者乃至每一位听者用一生来思考的主题!

整部作品链接 (点击聆赏)

演奏: 新爱乐乐团***
         (New Philharmonia Orchestra)
指挥: 约翰·巴比罗利爵士***
         (Sir John Barbirolli 1899.12.2-1970.7.29)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
莫扎特「C大调回旋曲」
(Rondo in C for Violin and Orchestra, K. 373
)

        从演奏技巧和音乐内涵而言,沃尔夫冈·阿玛丢斯·莫扎特((Wolfgang Amadeus Mozart 1756.1.27-1791.12.5)的小提琴协奏曲(未包括已被证实系伪作的第6号和存疑的第7号)固然未臻其钢琴协奏曲之艺术高度,却是以细腻甜美的旋律,萦绕在无数听者脑海深处。
        相比创作于1775年前后的五部小协作品和两阕补篇(K. 261、K. 269),1781年春完成的这首K. 373,或是受托于萨尔茨堡宫廷乐队的小提琴首席--意大利人布鲁内蒂(Antonio Brunetti)。时值作曲家同Colloredo大主教决裂前夕,维也纳的清新空气已经让莫扎特强烈感受到了创作上的自由氛围,频繁出现于第三、四、五号协奏曲中的炫丽矫饰,此刻已被自然流露的内心情感所取代,惯用的法式风格更是通过独奏乐器和乐队间的速度对比及调性呼应,在主题与插部之交替反复中,散发出延续自巴洛克,却又充满精巧典雅韵味的洛可可情调,整曲后段的弦乐拨奏和木管低吟,轻而易举地令耳朵捕捉到一份优雅闲适,更让心灵驰骋于广阔的自由天地......
        比利时小提琴家Arthur Grumiaux弓弦下的莫扎特,无论在音色表现上,抑或是在音乐气质上,当是最为传神之演绎,其细腻完美的解读俨然将音乐神童的传世杰作升华为凡间妙音,教人百听不厌! 

独奏小提琴: 阿瑟·格鲁米欧***
                   (Arthur Grumiaux 1921.3.21-1986.10.16)
协奏: 新爱乐乐团***
         (New Philharmonia Orchestra)
指挥: 雷蒙德·莱帕德***
         (Raymond Leppard 1927.8.11- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声)
*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
维瓦尔第 经文歌「圣殿中的努拉」
(又译: 人间需要真正的和平)
第一段: 咏叹调
(Nulla in mundo pax sincera, RV 630: I. Aria) 

        经文歌(motet)在其出现之初的中世纪,多为无伴奏且旋律简单的素歌形式,拉丁文的「圣经」是其无可取代的唱词。文艺复兴和宗教改革分别为经文歌在旋律结构和语言选择上开辟了新的道路--复调音乐的大量运用以及拉丁语之外如法语、德语等语种的唱词编写,在丰富音乐表现力之同时,更逐渐揭下其神秘的宗教面纱,使其登上前所未有的辉煌顶峰。进入巴洛克时期,独唱声部与器乐伴奏的引入,则使得这种古老的声乐表现形式呈现出风格上的多样性和艺术上的成熟性,更推动了康塔塔及弥撒等诸多圣咏形式的发展。
        相比较巴赫六部motet作品的阴沉严肃,同时期的安东尼奥·维瓦尔第(Antonio Vivaldi 1678.3.4-1741.7.28)在这一体裁上的创作倒是令人为之一悦。几乎于其花甲之年才完成的这部独唱经文歌「圣殿中的努拉」,当是“红发神父”众多宗教作品中最为著名和优美的一首了。意大利歌剧中典型的抒情唱法被作曲家娴熟嫁接到整首作品三个段落中,恍若不食人间烟火的天籁女声在袅袅弦音的映衬下,唱出了超越一切教义的世俗真理,深情赞美救世主无私奉献之余,亦虔诚地渴盼希望之曙光涤尽人间的罪恶与沧桑......

第一段咏叹调拉丁文唱词及中文大意:
Nulla in mundo pax sincera
sine felle; pura et vera,
dulcis Jesu, est in te.
世界充满欲望苦痛
人间需要真正和平
主之仁爱常伴于胸
Inter poenas et tormenta
vivit anima contenta
casti amoris sola spe.
肉体惩戒磨难之中
灵魂升华摆脱平庸
纯洁之爱唯一所从

演唱: 艾玛·柯克比***
         (Emma Kirkby 1949.2.26- )
演奏: 古乐学院乐团***
         (Academy of Ancient Music)
指挥: 克里斯托弗·霍格伍德***
         (Christopher Hogwood 1941.9.10-2014.9.24) 

古水:

*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
亨德尔 清唱剧「弥赛亚」之
第一部分女高音咏叹调: 锡安的儿女喜悦欢欣
(Messiah, HWV 56 - Part I/18: Rejoice greatly, O, daughter of Zion)

        清唱剧(Oratorio)是一种包含了乐队、独唱与合唱声部的大型音乐体裁,其源起和兴盛得益于歌剧在意大利的风靡,鲜明的宗教题材表现和演出场合限制,使之有别于注重情节设置与人物塑造的后者。真正将清唱剧带向艺术顶峰的作曲家是乔治·弗里德里克·亨德尔(George Frideric Handel 1685.2.23-1759.4.14)和他的「弥赛亚」。
        1741年,歌剧作品在英伦已逐渐失宠的亨德尔偶然间拿到好友查尔斯詹宁斯依据「圣经」内容撰写的清唱剧脚本,救世主的高尚情操立刻激发了这位虔诚基督徒的创作灵感,于是思如泉涌般地在24天内闭关完成了这部注定流芳百世的巨作。整部作品藉SATB(女高-女低-男高-男低)四个独唱声部与合唱声部搭配双管制乐队编制,用上中下三部53首分曲之篇幅,叙述了耶稣基督的预言和降生、耶稣受难和信徒的悲叹、耶稣复活和人们的赞美。英语唱词虽不如意大利语那般富有歌唱性,亦不具拉丁语的神秘深邃,却也在深谙意语歌剧的作曲家之醇熟编曲技法上,兼容了宗教音乐的庄严神圣及世俗声乐作品独有的甜美抒情,大量美声演唱技法的运用更是在提升欣赏性之同时增加了作品的艺术感染力。种种原因让当时接连受挫于英国演出市场的亨德尔选择了都柏林作为「弥赛亚」的首演地,观众的热烈掌声确实令作曲家享受到了暌违已久的成功喜悦,相比之下,1743年春的伦敦首演却反响平平,人气低靡。该剧真正广为人知则是缘于多年后,越来越多的节日庆典和宗教仪式对之的借用,当然作品本身的艺术魅力仍是其战胜岁月风尘的至关要素。
        足本的「弥赛亚」在当今的上演乃不多见的盛事了,但其中的众多精彩唱段却是音乐会上的常演曲目,首当其冲的大合唱"Hallelujah"自不必说,其通俗性使之几成清唱剧之代名词。推荐的这曲出自第一部分之18分曲,描述信众对于救世主到来的期冀和喜悦,由女高音担任咏唱,花式唱腔的点缀,极大地丰富了情感表现力,即便是不谙教义的平凡听者亦能随之喜悦欢欣!

唱词(附中文大意)
Rejoice greatly,O, daughter of Zion.
欢欣喜悦吧 锡安的儿女们
Shout! O, Daughter of Jerusalem! 
欢呼雀跃吧 耶路撒冷的儿女们
Behold, thy King cometh unto to thee!
看呢 你们的主驾临这里 
He is the righteous saviour, and he shall speak peace unto the heathen.
他是公义的救主 必向列国讲和平

女高音: 尤利娅·列日涅娃** 
            (Julia Lezhneva)
演奏: 和谐花园*** 
         (Il Giardino Armonico)
指挥: 乔瓦尼·安托尼尼*** 
         (Giovanni Antonini)

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
罗西尼「塞维利亚理发师」序曲
(The Barber of Seville - Overture)

        "a cappella"(阿卡贝拉)最早出现在中世纪,意大利语意为“以教堂之形式”,作为音乐术语则特指无器乐伴奏的人声演唱,与Cantata(康塔塔)相对应,如今提到的阿卡贝拉已无宗教意义上的局限。
        在经历了约两百年的沉寂后,a cappella于20世纪逐渐得到复兴,从60年代后相继诞生的无伴奏人声演唱团体,更是把这种古老的音乐表现形式重新推向了公众视野,成立于1965年的国王歌手合唱团便是其中历史最悠久,最负盛誉的团体之一。6个人(2位假声男高音/2位男高音/男中、男低音各一位)于舞台中央站成弧形,犹如上扬的嘴角,分工明确且轮流有序地担纲主唱/奏及和声/伴奏,产生出的却是宛若大型合唱团或管弦乐团的聆听效果,而这一切,只凭眼神的交流与心灵的默契。尽管成员几经更迭,乐团在技术上的精益求精以及对曲目的多元化拓展,却使其赢得了经久不衰的掌声与无数各年龄层的拥趸。
        在最常见的纯人声演绎中,这个人声天团的表现绝对令人叹服,且听这曲著名的管弦乐序曲,错落有致的器乐声部模仿简直惟妙惟肖,渐强段落的处理更是极具专业水准,如果罗西尼在世能听到这样的演唱,想必定会为这些绅士们度身定制几阕吧! 

演唱: 国王歌手合唱团***
         (The King's Singers)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
奥芬巴赫/罗森塔尔 芭蕾舞剧「快乐的巴黎人」序曲
(Gaite Parisienne- Overture)

        巴黎是出生在德国的犹太裔作曲家雅克·奥芬巴赫(Jacques Offenbach 1819.6.20-1880.10.5)音乐事业的起点和终点,亦是孕育他丰沛创作灵感的土壤。一生创作的近百部轻歌剧以通俗幽默、雅俗共赏的形式确立了其“法国轻歌剧奠基人”之地位。
        「巴黎人的生活」(La vie parisienne)是完成并上演于1866年的四幕喜歌剧(初为五幕),整剧以轻松而略带讽刺的情节配以奥芬巴赫擅长的优美旋律,真实描绘了一幅巴黎上流社会的众生相。其间穿插的大量舞曲音乐皆来自于民间,虽然带有媚俗和娱乐性元素,却博得了当时不同阶层的广泛青睐,使其成为作曲家最受欢迎的歌剧之一。法国作曲家/指挥家马努艾尔·罗森塔尔(Manuel Rosenthal 1904.6.18-2003.6.5)在1938年以该剧情节为蓝本,结合奥芬巴赫多部歌剧中的音乐素材,重新编排的独幕芭蕾舞剧「快乐的巴黎人」,以情调各异,风格多变的24段乐曲让人领略到浪漫之都的风情万种--有波尔卡的活泼轻盈、华尔兹的优雅曼妙、进行曲的凝重庄严、更有康康舞的热烈奔放以及船歌的韵律悠扬,丰富的现代管弦乐配器更将创作者惊人的才思跃然于不息涌动的音符激流之上,教听者身心不由随着节拍起舞,倍感舒畅!
        推荐的这版复刻唱片源自83年André Previn携PSO在Philips的录音,同时收录奥芬巴赫「巴黎人的生活」、「佩里绍莱」、「美丽的海伦」以及「地狱中的奥菲欧」等歌剧的序曲,也是除受热捧的Fiedler/Boston Pops之54年RCA名版外,该曲目上佳之选! 

演奏: 匹兹堡交响乐团**
         (Pittsburgh Symphony Orchestra)
指挥: 安德烈·普列文*** 
         (André Previn 1929.4.6- 

Bonus: 专辑链接(点击聆听)

古水:

*clavier sentiment*(黑白柔情) 之
格里格「致春天」
("To Spring" Op. 43/6)

        地处斯堪的纳维亚半岛西部,临近北极圈的挪威,全年大部分时间都是冰雪覆盖的寒冬,每一寸阳光都显得弥足珍贵,迟来的春天更教人殷殷期盼。当春日的第一缕旭辉穿过灰暗的云层,洒在冰封的湖面,整个世界霎时像被激活了一般,随着莹亮水珠渐渐聚成涌动的清流,人们像是听到了春的脚步,隐隐约约,断断续续,仿佛腼腆的少女般踯躅徘徊。然而渴切的人们却早已从她轻柔的吐息间捕捉到了春之讯息,雀跃着奔向户外,欢笑着张开双臂,去迎接她的到来。湛蓝的天空下,是澄澈如镜的峡湾海水和绿意盎然的绿茵芳甸,枝头蓓蕾的绽放与林鸟欢快的鸣唱是对春临大地最热烈的颂赞!
        爱德华·格里格(Edvard Grieg 1843.6.15-1907.9.4)的抒情小品,往往撷取生活中最细小的片段,辅以简洁质朴的旋律,描绘出诗意而具画面感的音乐情景,一生创作的十卷抒情小品集,跨越了其创作生涯的各个阶段,既有早期民间舞曲的模仿,中年生活场景的联想,亦有晚年的追忆感伤,可谓题材多样,情趣各异。这首「致春天」收录在作曲家1886年完成的第三卷之最末一曲,也是最常被演绎的一阕! 

演奏: 达妮埃尔·拉瓦尔**
          (Danielle Laval)

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*sound of maestro*(大师原声
) 之
德沃夏克「F小调浪漫曲」
(Romance in F minor, Op. 11/B. 39)

        这部为小提琴与乐队所作的浪漫曲(B. 39),是安东尼·德沃夏克(Antonín Dvořák 1841.9.8-1904.5.1)根据自己在1873年创作的「第五弦乐四重奏」(Op. 9/B. 37)第二乐章之主题改编而来,Burghauser的作品编号B. 38则是指本作品的钢琴与小提琴原始版。
        尽管对于崇尚竞奏与对话的弦四而言,这段如泣如诉宛若内心独白之乐思似乎有些过于煽情,故而有些教四个声部难以和谐平衡于同一旋律线上,然固执而自信的作曲家却依旧不舍不弃,将之移植到奏鸣曲形式后,那份温婉含蓄之情竟已然叩动心扉,协奏曲的演绎更是如神来之笔般地将作曲家天性中波西米亚式的忧郁和多情细致描绘。相较于室内乐原作中近乎小快板的速度,行板的走句之上是每一个音符的缓慢流淌,更是每一寸思绪的轻舞飞扬,时而笼罩几分忧伤,时而暗镶一缕阳光,却都在贯穿始终的平静气氛之上诉说着一份本初的情怀--“凡心所向,素履所往,生如逆旅,一苇以航。稣合于言,安之若素。自言自语,无喜无悲。”
        推荐的该曲之小提琴与乐队版,出自上世纪日本小提琴神童米島莉与梅塔执棒下的NYPO在1989年的合作演绎,花季少女的纯真与柔美将捷克民族细腻优雅之情调纤毫尽现,使人不禁醉于音乐之醇酿。
        题外,年幼五嶋 绿17岁的五嶋 龍似乎得益于姐姐和家庭的音乐熏陶,正以其出众的演奏技艺,成为近年国际乐坛新生代的小提琴演奏家,有兴趣的听友可以关注一下他的唱片。

小提琴独奏: 五嶋 绿(米島莉)***
                    (五嶋 みどり 1971.10.25- )
协奏: 纽约爱乐乐团
***
          (New York Philharmonic)
指挥: 祖宾·梅塔
***
          (Zubin Mehta 1936.4.29- )

音乐随身听:

【艺术歌曲】莫扎特:紫罗兰

很多人是在村上春树《斯普特尼克恋人》这本书里知道了《紫罗兰》。

这首音乐与诗完美结合的艺术歌曲,至今仍经常出现在音乐会上。全曲有5处装饰音及9个升降半音,还有转调和间断的强弱音快慢速变换,有一定演唱难度。其歌词选自歌德的一首短诗,表达了一种谦仰而纯真的爱情。

  好一朵可爱的紫罗兰!
  年轻的牧羊女走来,
  步态轻盈,心花烂漫,
  走来。走来,唱歌来到草原。
  紫罗兰思恋:
  但愿我是自然界最美的花,
  啊只要片刻时间,
  等爱人采下放进怀里去,
  哪怕把我压扁,
  只要,只要享有片刻时问。
  可惜的是,那小姑娘
  并没有留意紫罗兰,
  一脚把花儿踩断:
  它倒下死去时满心喜欢:
  我愿意死在她脚下,
  被她,被她踩死我也心甘。
  可怜的花儿!
  好一朵可爱的紫罗兰!

(钱仁康译)

曲目:Mozart: Das Veilchen, K476

演唱:Andreas Scholl / Tamar Halperin

所属专辑:Wanderer


古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
*clavier sentiment*(黑白柔情) 之
肖邦「摇篮曲」
(Berceuse in D-flat Major, Op. 57)

        弗雷德里克·肖邦(Frédéric Chopin 1810.3.1-1849.10.17)唯一的一首「摇篮曲」,约完成于其33岁那年,起初仅作为一段主题加变奏的行板小品,因其6/8拍的节奏与音乐表情,恰与传统的“摇篮曲”完美吻合而得名,并成为该种曲式的经典名作。
        全曲以一段简单的旋律开始,轻柔而富有韵律,如同载着婴儿的摇篮被慈母缓慢晃动,更似一叶兰舟摇曳于傍晚的湖面。绚丽多变的装饰音将其后的多段变奏营造出极其丰富的音效,亦真亦幻之中将人带入了充满色彩的梦乡,清澈纯净的固定音型与绵绵不绝的琶音交织成一曲耳边的温柔吟唱,却始终节制地保持着一份静穆与安详,亦如晚星和皓月映在水中泛出的粼粼波光,当琴声于飘渺中渐弱时,那份亲切的抚慰早已将你我的思绪带至心灵的港湾--母亲的温柔怀抱......

演奏: 彼得·唐纳修***
          (Peter Donohoe 1953.6.18- )

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*sound of maestro*(大师原声) 
福雷「梦后」
(Après un rêve)

妳的倩影 诱我徘徊梦境,
梦中欢愉 化成爱之幻影。
眼波流转 声音迴耳纯净,
顾盼生辉 容光点亮黎明。

妳的呼唤 引我离开尘世,
执子之手 飞向光明之地。
冲破黑夜 瞬间蔽云见日,
圣光普照 美景壮阔绮丽。

痛苦呻吟 悲伤把我惊醒,
呼唤黑夜 将我带回梦境。
让我留在 夜之光华幻境,
让我重回 夜之神秘幻境。

        1878年,当玛丽安妮突然解除了与自己的婚约后,伤心欲绝的加布里埃尔·福雷(Gabriel Fauré 1845.5.12-1924.11.4)久久不能从痛苦失意中自拔。恰巧,与作曲家同为国民音乐协会成员的诗人兼声乐教育家布西纳(Romain Bussine),将自己翻译的几篇意大利语诗稿交给福雷,并建议他依此谱成法语艺术歌曲(mélodie)。某个孤寂的夜晚,孤枕难眠的福雷在读到这篇「梦后」,不禁被诗中描绘的情形深深触动,联想到自己恍若一梦的那段情感,曾经的幸福甜蜜,如今已然不再,现实的苍凉不由教人流连于虚幻梦境,惟愿长醉不复醒。于是,作曲家将愁绪付诸笔端,完成了这首凄美而带有梦幻色彩的短歌。
        「梦后」虽是福雷的早期作品,却以其夜曲般的音乐情绪,成为其代表作,并预示其“梦幻”风格的开端。该曲同另两首同时期完成的mélodie(“圣歌”、“船歌”),被汇编成一部套曲,以作品第七号传世。推荐的是大提琴与钢琴之duet演绎,宁静的伴奏钢琴声中,低音弦乐的轻揉,仿佛失恋者的独自啜泣,凄凉而悲绝。

大提琴: 亚诺什·斯塔克***
             (János Starker 1924.7.5-2013.4.28)
钢琴: 练木繁夫
***
          (Shigeo Neriki)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
柴可夫斯基「波兰舞曲」
(Eugene Onegin, Op. 24 - Act. III: Polonaise)

        叶甫根尼·奥涅金(又译:尤金·奥涅金)是俄国诗人普希金(Alexander Pushkin 1799.6.6-1837.2.10)笔下的一位纨绔子弟,年轻时的他,冷漠地拒绝了乡村姑娘塔蒂亚娜的纯洁爱情,更在决斗中射杀了好友-诗人连斯基,自我放逐以期寻求内心解脱的他,在多年后偶遇已是上流社会名媛的塔蒂亚娜,不禁感慨万分,随即向其表达爱意,却被严词拒绝,昔日高傲的浪荡子流下了悔恨的泪水......
        彼得·伊里奇·柴可夫斯基(Pyotr Ilyich Tchaikovsky 1840.5.7-1893.11.6)于1878年以普希金这部诗歌体小说完成的三幕同名歌剧,撷取了原作中围绕主人公的几个高潮段落,辅以旋律独特的俄罗斯民族音乐,弱化了一般歌剧中强调的叙事性,从而体现出与文学作品相一致的抒情性,同年3月在莫斯科的首演由作曲家的挚友尼古拉·鲁宾斯坦(Nikolai Rubinstein)指挥,获得极大成功。
        除了多处细腻表现人物内心的优美唱段外,该剧最令人印象深刻的则是多次出现的舞蹈场景音乐,这首第三幕开场的波兰舞曲(波罗乃兹)以雄壮嘹亮的铜管乐揭开格列明亲王宫廷舞会的序幕,也为气氛渲染和男女主人公的再次相遇作了铺垫。该曲与第二幕的华尔兹作为老柴最著名的管弦乐舞曲作品,常被独立于歌剧之外奏响于音乐会舞台。

演奏: 柏林爱乐乐团***
          (Berliner Philharmoniker)
指挥: 小泽征尔***
          (Seiji Ozawa 1935.9.1- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
*
clavier sentiment*(黑白柔情) 之
德彪西「贝加莫组曲」之“月光”
(Suite bergamasque, L. 75. III. CLair de Lune)

你的心灵是神赐的风景,
假面舞的绚丽教人忘情,
舞步穿梭于悠扬的琴声,
却终究,难掩面具下的凄清。

音符的絮语编织成歌曲,
唱颂爱之凯旋生之赠与,
如梦似幻故而教人犹豫,
缥缈中,和着月色不绝如缕。

月光迷离中氤氲着忧伤,
把枝头的鸟儿拂入梦乡,
教喷泉掠过雕像的冰凉,
呜咽着,向那夜空纵情歌唱。
 
                「月光」- 保罗·魏尔伦(Paul Verlaine) 

演奏: 佐尔坦·科奇什***
          (Zoltán Kocsis)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 
*
clavier sentiment*(黑白柔情) 之
贝多芬「F大调第6钢琴奏鸣曲」之
末乐章: 急板
(Piano Sonata No. 6 in F major, Op. 10, No. 2: III. Presto)

        “钢奏第六号”,路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven 1770.12.17-1827.3.26)早期作品中充满青春活力之篇,没有艰深的内涵与炫目的技巧,而更多以细腻触键与温暖乐句编织的轻松情绪。
        作为向早年音乐赞助人安娜·玛格丽特·冯·布朗伯爵夫人的三部题献作之第二号,调性上更让人联想起乐圣写于28岁那年的「F大调浪漫曲」(Op. 50),对生活的感恩与美好的憧憬,如阳光般洒满整部作品,c小调的紧张与窒息似乎还未随着命运之神的敲门而纠缠一颗年轻的心。于是,首乐章中宁静诗意的情绪发展成明亮的歌唱旋律,一份回归自然的喜悦悄悄蔓延;小快板速度的次乐章,俨然打破常规的慢乐章模式,将内心的一份梦幻般的悸动隐藏于柔美的和声之中,冥想中又略带诙谐意味;末乐章中,贝多芬在曲式和节拍上,似乎回到了古典奏鸣曲的传统中,D·斯卡拉蒂的对位手法与J·海顿的幽默情趣被作曲家完美揉合成一阕结构简单却又蕴含赋格变奏的贝氏乐章,可谓完美的模仿与独特的自创,更有贝氏晚期作品所渐渐淡化的亲切与雅致。
        推荐来自纽约的钢琴家Richard Goode的演奏版本,也是当代贝钢奏诠释者中颇受评论界褒赞的一位,曾师从霍尔绍夫斯基,自带有几分乐圣之遗风!  

演奏: 理查德·古德***
          (Richard Goode 1943.6.1- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
德利布 芭蕾舞剧「希尔薇娅」
第一幕场景音乐: 女猎神的号角
(Sylvia - Acte I: Les Chasseresses)

        「希尔薇娅」是“芭蕾音乐之父”- 莱奥·德利布(Léo Delibes 1836.2.21-1891.1.16)继「葛蓓莉娅」成功之后又一部三幕芭蕾舞剧,剧情取自文艺复兴时期意大利诗人塔索(Torquato Tasso)的诗歌「阿明塔」,由当时的芭蕾舞者梅朗特(Louis Mérante)编舞。
        整剧讲述了牧羊人阿明塔(Aminta)无意中爱上了狩猎之神戴安娜(Diana)的侍女希尔薇娅(Sylvia),爱神(Eros)从中撮合,却为邪恶猎人奥利昂(Orion)所破坏,当发现自己也倾心于牧羊人时,希尔薇娅求助于戴安娜,并最终得到神明的祝福,有情人终成眷属。作为瓦格纳音乐推崇者的德利布,将前者倡导之主导动机用于芭蕾音乐的创作,并以加强的管乐声部突出了舞剧配乐的交响属性(如推荐的这段出自第一幕女主人公出场之管弦乐),从而使音乐更好地铺垫剧情之发展,加之梅朗特新颖而前卫的舞蹈编排,在当时舞台演出过多依赖于花哨的服装、豪华的置景与大牌明星之媚俗倾向中,可谓独树一帜。当时刚完成了「天鹅湖」音乐创作的柴可夫斯基,亦对该剧音乐之丰富旋律及巧妙创新赞不绝口。
        该剧在1876年首演时,法国浪漫主义芭蕾几已走向没落,糟糕的剧本与过气的神话题材差点将其从人们的视线中掩去。瑕不掩瑜,20世纪50年代,经由皇家芭蕾舞团的阿什顿爵士(Sir Frederick Ashton)重新编排,芭蕾女皇玛戈·芳婷(Margot Fonteyn)演绎后,德利布的这部佳作得以复兴,并成为法国芭蕾舞剧之代表作。

演奏: 巴黎国家歌剧院管弦乐团***
           (Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris)
指挥: 让-巴蒂斯特·马里
***
           (Jean-Baptiste Mari)

古水:

*classical in mood*(不一样的古典)
*sound of maestro*(大师原声) 
福雷「梦后」
(Après un rêve)

妳的倩影 诱我徘徊梦境,
梦中欢愉 化成爱之幻影。
眼波流转 声音迴耳纯净,
顾盼生辉 容光点亮黎明。

妳的呼唤 引我离开尘世,
执子之手 飞向光明之地。
冲破黑夜 瞬间蔽云见日,
圣光普照 美景壮阔绮丽。

痛苦呻吟 悲伤把我惊醒,
呼唤黑夜 将我带回梦境。
让我留在 夜之光华幻境,
让我重回 夜之神秘幻境。

        1878年,当玛丽安妮突然解除了与自己的婚约后,伤心欲绝的加布里埃尔·福雷(Gabriel Fauré 1845.5.12-1924.11.4)久久不能从痛苦失意中自拔。恰巧,与作曲家同为国民音乐协会成员的诗人兼声乐教育家布西纳(Romain Bussine),将自己翻译的几篇意大利语诗稿交给福雷,并建议他依此谱成法语艺术歌曲(mélodie)。某个孤寂的夜晚,孤枕难眠的福雷在读到这篇「梦后」,不禁被诗中描绘的情形深深触动,联想到自己恍若一梦的那段情感,曾经的幸福甜蜜,如今已然不再,现实的苍凉不由教人流连于虚幻梦境,惟愿长醉不复醒。于是,作曲家将愁绪付诸笔端,完成了这首凄美而带有梦幻色彩的短歌。
        「梦后」虽是福雷的早期作品,却以其夜曲般的音乐情绪,成为其代表作,并预示其“梦幻”风格的开端。该曲同另两首同时期完成的mélodie(“圣歌”、“船歌”),被汇编成一部套曲,以作品第七号传世。推荐的是大提琴与钢琴之duet演绎,宁静的伴奏钢琴声中,低音弦乐的轻揉,仿佛失恋者的独自啜泣,凄凉而悲绝。

大提琴: 亚诺什·斯塔克***
             (János Starker 1924.7.5-2013.4.28)
钢琴: 练木繁夫
***
          (Shigeo Neriki)

古水:

*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
莫扎特 艺术歌曲「渴望春天」
(Sehnsucht nach dem Frühling, K. 596)

        作为音乐与诗歌相结合的艺术歌曲,其雏形出现于18世纪下半叶的德奥,舒伯特之前的三位古典作曲家海顿、莫扎特与贝多芬便已有此类作品问世。
        尽管在声乐作品领域的成就主要集中于歌剧和弥撒,莫扎特依然留下了不少脍炙人口的歌曲,其中最著名的当属30岁时为歌德的诗作谱写的「紫罗兰」(Das Veilchen, K. 476)以及生命最后一年根据欧弗贝克(Christian Adolf Overbeck)的诗节“来吧,亲爱的五月,给树林换上绿装”(Komm, lieber Mai, und mache die Baume wieder grün)创作的「渴望春天」。这首完成于寒冬时节的短小歌曲,在钢琴轻盈的伴奏之上,展开三段富有童趣的问答,有对旧日美好的回忆,也有眼下欢愉的沉溺,更怀着对春天的渴望与希冀,欢乐的旋律焕发出无穷的生机,竟教人忘却这是作曲家在生命最后一个春天来临前的作品,如此热烈而隽永,一如莫扎特从未失去的对于音乐和生命的执着!ps: 同年完成的最后一部钢琴协奏曲(K. 595)之末乐章主题便出自于此。

[渴望春天](歌词中译)
来吧,亲爱的五月,给树林换上绿装。
让我们在小河旁看紫罗兰开放。
我们是多么盼望,重见那紫罗兰。
来吧,亲爱的五月,让我们去游玩。

冬天也曾给我们带来了许多欢喜。
在雪地上在灯下,大家欢聚一起。
用纸牌盖起小屋,还做各种游戏。
在自由可爱的大地上驾雪橇旅行去。

当小鸟唱起歌儿,报告春天来临。
在青草地上跳舞,又是一番欢欣。
啊...来吧,可爱的五月,
快带来紫罗兰,也快快唤来布谷鸟和伶俐的夜莺。

女中音: 安妮·索菲·冯·奥托***
              (Anne Sofie von Otter 1955.5.9- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声)
*miracle of the voice*(声乐之魅)
*musica autentica*(本真之音) 之
莫扎特「C小调弥撒」之
荣耀经: 我们赞美你
(Great Mass in C minor, K. 427- Gloria: Laudamus te)

        莫扎特一生共写有弥撒作品(mass)18部,从12岁完成的第一部“短弥撒曲”(K. 49),到其离世之时仍未完成的神秘之作[安魂曲](K. 626),这位虔诚的天主教徒,似乎从未停止过用音乐表达对于主的感恩与赞美。
        [C小调弥撒],是莫扎特离开萨尔茨堡后创作的首部弥撒曲,约完成于1782年至1783年间,以四个独唱声部、双声部合唱辅以大型管弦乐队伴奏。虽被冠以“大弥撒曲”之名,却是较传统体裁在结构上存有诸多残缺(信经的大部缺失,圣哉经不完整,羔羊经整部遗漏),是作曲家故意留白,抑或是历史的佚失,或许只有上帝同莫扎特本人才彼此默契知晓。对于今天的普通爱乐者,我们大可不必去深究这些过于专业的曲式构架,亦无须费尽心思地揣摩唱词所包含的宗教意义,因为在音乐的明暗起伏和情绪宣叙中,那份心灵的释放与情感的升华已经超越语言与时空,教人真切听闻到了一个摆脱了羁束的灵魂自由的欢唱,那是对于一切美好的赞颂,更是对于信仰的虔诚告白。
        莫扎特在K. 427中所展示的对于器乐表现技法和声乐戏剧效果的成功实践,揭开了其维也纳时代的创作序幕,对于作曲家此后的歌剧、管弦乐以及宗教音乐无疑有着重要的借鉴意义。考虑到这部作品在现代演绎中的实际性,诸多补充修复版应运而生,最大限度保留原本章节数的十三段(重构圣哉经)版本当属最为常见!

女高音: 戴安娜·蒙塔古***
                 (Diana Montague 1953.4.8- )
演奏: 英国巴洛克独奏家乐团
***
          (English Baroque Soloists)
指挥: 约翰·艾略特·加德纳爵士
***
          (Sir John Eliot Gardiner 1943.4.20- )

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
莫扎特「D大调钢琴与乐队回旋曲」
(Rondo for Piano and Orchestra in D major, K. 382)

        就音乐之于后世的影响力而言,钢琴协奏曲当是莫扎特管弦乐作品中与其交响曲成就并驾齐驱之体裁了。Köchel目录中编号的30部钢协作品,在数量上已可令古今任何一位作曲家望而却步。除去11岁时依据同时期作曲家键盘奏鸣曲改编的四部“习作”(K. 37、39、40、41),以及成稿于萨尔茨堡其间的以J. C. Bach奏鸣曲发展而来的三部“次韵之作”(K. 107),23部原创作品从精巧雅致的曲式结构、形式多样的器乐配置,到细腻多变的音色效果及其辉煌绚丽的主题铺陈,无一不是这位缪斯的神来之笔。
        第5号钢协(K. 175),莫扎特一生颇为珍视和得意之作,不仅缘于该作在其第二次欧洲之行时所收获的褒赞,作为同类体裁在作曲技法上的突破许是令作曲家本人更为看重之原因,以至于当莫氏在1781年以自由音乐家身份定居维也纳之时,为维持生计并赢得声誉,首先想到的便是这部多年前的“旧作”。考虑到原作末乐章中“繁复”的奏鸣曲结构和对位技巧对教学实践的难度,抑或是为了迎合维也纳听众的欣赏口味,作曲家特意谱写了这部变奏风格的回旋曲,藉以替换原来的终曲,“优雅的小快板-慢板-快板”之表情提示,俨然将这个有些冗长的乐章循着一个别致的主题切分并构筑成了一部“完整”的协奏曲,自始至终绵延其间的却仍是莫氏那份与生俱来的天真与乐观,应景的冬日午后,独自倚于静谧咖啡馆的落地窗,听着杯勺清脆的碰撞,闻着由淡渐浓的焙芳,耳边乐音悠然回荡......
        维也纳将掌声和鲜花投向了这阕欢歌,自此,K. 382亦作为一部独立的音乐会作品被屡屡演绎,并成为最具莫扎特气质的协奏曲名篇。

钢琴/指挥: 丹尼尔·巴伦博伊姆***
                   (Daniel Barenboim 1942.11.15- )

协奏: 柏林爱乐乐团
***
          (Berliner Philharmoniker)

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
瓦格纳 歌剧「漂泊的荷兰人」序曲
(Der fliegende Holländer- Overture)

        荷兰航海者妄图征服海洋,却言语冒犯神明,被诅咒终生漂泊海上,永世不得超脱,除非能觅得一位真心爱他的女子,以死亡破除咒语,获得灵魂救赎。为此,每过七年海浪会将荷兰人的船送回陆地,作短暂停留,让其寻找自己的拯救者,无数个七年后,荷兰人的船驶入了挪威的一个平静港湾......
        威廉·理查德·瓦格纳(Wilhelm Richard Wagner 1813.5.22-1883.2.13)完成于1841年末的三幕歌剧「漂泊的荷兰人」最初的创作动机来自于他与发妻敏娜的一段惊心动魄的海上旅行(实为逃难),挪威特维德斯特兰的峡湾成为了他终生难忘的避风港。回到欧陆的瓦格纳基于海涅(Heinrich Heine 1797.12.13-1856.2.17)的文学作品「施纳贝勒渥普斯基先生的回忆录」结合自己的亲历,将一段具神话色彩的浪漫故事搬上了舞台。瓦格纳在这部亲手撰写剧本的歌剧作品中,首次尝试运用了主导动机--与人物及主题相关之音乐元素,更是在最后谱写的序曲中,将这些主导动机按剧情发展有机串联,从而以管弦乐高度浓缩地概括了整部歌剧。
        序曲开始便藉狂暴有力的乐队齐奏表现出惊涛骇浪与狂风暴雨之主题,并为全剧悲剧结局打下伏笔;荷兰人(Dutchman)的主题隐隐夹杂在粗暴的和弦中,显得孤立无助,却又渴望救赎;乐句转入单簧管与长笛声部,平静的港湾中再次出现了荷兰人的主题,却已被象征善良与美丽的森塔(Senta)主题柔化;暴风雨的宿命动机从来不曾消失,作为戏剧背景总与正面主题顽固纠缠,相辅相成,直至最终女主人公殉情,诅咒破除,音乐情绪升华。
        瓦格纳曾将这部歌剧喻为自己创作生涯的转折,自此他以诗人身份自居。确实,该作品标志着他渐渐跳脱了一般意义上的歌剧匠人,而向着他的“乐剧”理想迈出了第一步。瓦格纳是一位骨子里崇尚自由却又笃信神话、深究哲学的浪漫主义者,某些在他生命中的事件会引发他的无限想象和创作激情,进而编织成音画诗卷。「漂泊的荷兰人」于1843年由作曲家亲自指挥,首演于德累斯顿,获得成功,并一直是拜罗伊特音乐节的保留曲目之一。一百多年后,一位对瓦格纳崇拜得五体投地的日耳曼人在妄图征服世界的举动功败垂成后,试图从曾经庇护了其偶像的挪威峡湾东山再起,然而,命运之神并未对之投以青眼,他沦为世界的头号恶魔,遭人唾弃。而瓦格纳的音乐却仍被今天的无数人所膜拜! 

演奏: 维也纳爱乐乐团***
          (Wiener Philharmoniker)
指挥: 乔治·索尔蒂爵士***
          (Sir Georg Solti 1912.10.21-1997.9.5) 

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古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
贝多芬「G大调第十小提琴奏鸣曲」之
末乐章: 稍快板
(Violin Sonata No. 10 in G Major, Op. 96: IV. Poco allegretto)

        提到路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven 1770.12.17-1827.3.26)的小提琴奏鸣曲,“春天”(Op. 24)与“克鲁采”(Op. 47)两部想必最为人熟知,前者洋溢着的青春气息,后者散发着的激昂热情,各自镌刻下了作曲家生命中最美好的时光印记。在完成前9部小提琴奏鸣曲作品后近十年,年过不惑的贝多芬完成了他的小奏末篇--「Op. 96」,一部在音乐情绪上殊于前作而充满抒情气质的浪漫之作,与一年前的「“大公”三重奏」一样,作为献给自己的学生兼赞助人--奥地利的鲁道夫大公,法国小提琴家罗德(Pierre Rode)则担任了1812年作品首演时的弦乐声部。
        整部作品中,贝多芬似乎刻意回避了自己对于独奏乐器所能安排的炫目技巧,而是以一种在其中晚期创作中极为罕见的温柔静谧又极度内敛的表达方式,理性地宣泄着情感。从技术上溯其缘由,两位首演者能力上的不足或让作曲家将夺目的炫技展示代之以细腻的乐思描摹,而作曲家逐渐形成的达观淡然之心境则无疑奠定了音乐情绪之基础。首乐章(有节制的快板)在两件乐器平静的对答间展开,主题随之交错推进间,整部作品的乐思亦被总括性阐述,莫扎特奏鸣曲某些特质似乎在这里被明显继承下来;次乐章(富有表情的柔板)中小提琴那气若幽兰的揉弦和钢琴执着的伴随与紧接着的谐谑曲乐章似乎就是贝多芬彼时的心理写照--一份经历身体和精神的双重痛苦后,对于生命的无限眷慕和自我鼓舞,没有过多的如其交响曲作品中的戏剧冲突,倒是流露出一种勘破后的内心平复与满足;这种情绪的表达,到了末乐章则是通过一连串带有即兴性质的变奏来实现,G大调于调性上与首乐章的呼应和围绕主题展开的飘渺而具几分沉思气质的乐句行进,又让人在屏息凝神期待作曲家酝酿的情感爆发时,突然收住即将脱缰的音符,来了一个急速而意想不到的干脆结句,仿佛是对心中所有晦涩阴暗积滞的一种决绝!
        有时细细聆听,不难发现贝多芬亦有其温柔内敛的一面,把狂放羁束在从容不迫的理智下,把浪漫深植于每一滴血液和骨髓中,倒也折射出一个真实鲜活的不屈人格所应有的多面性!
        推荐这版著名的“黄碟”来自Abel-Steinberg-Winant Trio组合中两位音乐家的合作,乐句诉答宛如一对窃窃私语的恋人般和谐无隙,美国High-end扬声器厂牌Wilson Audio完美的录音技术,更将该曲中乐器的音色和平衡感处理得极好,让耳朵与心灵惊喜连连!

小提琴: 大卫·阿贝尔***
             (David Abel)
钢琴: 朱莉·斯坦伯格***
          (Julie Steinberg) 

古水:

*sound of maestro*(大师原声) 之
莫扎特d小调安魂曲,作品626号:继叙咏之流泪之日
(Requiem in d minor, KV
626: III. Sequenz: Lacrimosa)

        1791.12.5--沃尔夫冈·阿玛丢斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart)生命的终点,这位人间缪斯一生音乐创作的休止符最终戏剧性地落在其未完成之作--d小调安魂曲(KV 626):流泪之日(Lacrimosa)的第八小节之上。这部受托于他人为悼念亡妻而作的弥撒曲(Mass)更是冥冥之中成为了作曲家自己的安魂曲,莫扎特的遗孀康斯坦策委托莫扎特的学生弗兰兹·萨维尔·绪斯迈尔(Franz Xavier Süßmayr 1766.7.22-1803.9.17)续写并完成了未完成部分,其因只为领取余下的稿酬,让人不禁唏嘘,作曲家的神性光环毕竟未能战胜人世的现实凄凉......
        尽管后世对于这部莫扎特临终作品猜测纷纷,附会频频,然就作品本身深邃的宗教内涵及由此延伸的世俗情感与人性思索而言,d小调安魂曲却无疑仍应位列其一生最伟大作品之首。或是在晚期作品甚至说成熟时期作品中时时挥之不去的阴郁情绪的积蓄与喷发,临终之时的莫扎特似乎彻悟到人生无尽的苦难与死亡之不可逃避,故将自己对主的虔诚与敬畏化作了最痛彻心肺,悲天悯人的末世之音--教世间一切苍生涕泣动容却又坦然笑对的上帝之声,从容地感召于主的召唤并回到自己的来时之所;泪水干涸之时所见便是欢乐;死亡超脱之日所得便是永生......
流泪之日:
悲泣之日到来,
复生在灰烬之中;
罪人受到审判,
祈主宽恕他们;
仁慈的耶稣吾主,
赐他们以安息。
阿门!
        流泪之日(Lacrimosa),天使为即将迈向天堂的莫扎特洒下的泪水?莫扎特向人世凄凉遗下的一声最后的叹息?或是......

ps:演奏--慕尼黑爱乐乐团(Münchner Philharmoniker)
     合唱--慕尼黑爱乐合唱团(Münchner Philharmoniker Chorus)
     指挥--塞尔吉乌·切利比达克(Sergiu Celibidache 1912.7.11-1996.8.14)

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